在《道林·格雷》中，导演基普·威廉姆斯指挥了一场“莎拉·斯努克管弦乐”——彭博社

莎拉·斯努克主演、基普·威廉姆斯执导的*《道林·格雷的画像》*

摄影师：马克·布伦纳在这部独角戏《道林·格雷的画像》中，有个令人震撼的瞬间——主演莎拉·斯努克举起手机开启自拍模式，用滤镜肆意扭曲自己的面容。她的小屏幕实时投射在舞台巨幕上，观众们眼睁睁看着斯努克的面孔被滤镜改造成荒诞的漫画形象：洋娃娃般的巨眼，夸张的厚嘴唇。

当我在伦敦观看此剧时，斯努克完全掌控了全场观众的情绪，我们为这个21世纪版本的"阁楼画像"时而爆笑，时而惊呼。

*《道林·格雷》*堪称斯努克的非凡秀场——她在两小时无间断演出中分饰26个角色，但这部作品的创意灵魂属于导演基普·威廉姆斯。这位澳大利亚籍导演2020年首次为王尔德1890年代的著名小说改编剧本，作品由享誉盛名的悉尼戏剧公司制作。当时威廉姆斯是该剧团史上最年轻的艺术总监，任期内他以改编哥特小说（包括《德古拉》和《化身博士》）及创新影像运用而闻名。

演出导演基普·威廉姆斯。图片来源：杰西卡·赫罗马斯将《道林·格雷》称为独角戏并不完全准确，因为对美国观众来说以《继承之战》中希芙·罗伊一角闻名的斯努克，在舞台上还有一小队摄像师配合。他们从不同角度实时捕捉她在舞台上的表演，并将画面投射到悬垂的屏幕上。现场表演的斯努克与预先录制的她饰演多个角色的影像在屏幕上交织，这些画面相互重叠呼应的方式愈发复杂，堪称精湛的技术壮举。

“在《道林》之前，我只使用过实时视频，”威廉姆斯说，“这部剧首次尝试将预录影像与现场表演、实时视频无缝融合，形成了独特的影院剧场形态。”他表示这部作品既是高度数字化的创作，又根植于古老的剧场传统——由单一表演者向观众讲述故事。

排练中的莎拉·斯努克与基普·威廉姆斯。摄影师：马克·布伦纳在《道林·格雷》之前，威廉姆斯与斯努克从未合作过。这两位澳大利亚人曾在悉尼国立戏剧艺术学院擦肩而过（威廉姆斯回忆：“当时校园里都在热议刚毕业的那位红发女演员”）。后来他们相遇并约定合作，“我们讨论过共同创作单人版《哈姆雷特》。当决定将《道林·格雷》搬上西区舞台时，我首选的女演员就是莎拉·斯努克。”

这次合作——以及创意上的冒险——取得了回报。道林·格雷的画像在伦敦大获成功，门票售罄，斯努克也因此获得了奥利维尔最佳女演员奖。本月，该作品将登陆百老汇，于3月27日在音乐盒剧院开幕。在开幕前夕，我与威廉姆斯坐下来，听取他对打造现代版《道林·格雷》的看法，我们与维多利亚时代人的共同点，剧院的未来，以及为什么执导这部剧就像“指挥莎拉·斯努克乐团”。采访内容经过编辑，以确保清晰和简洁。

斯努克在剧中饰演26个角色。摄影师：马克·布伦纳 是什么让你决定现在将《道林·格雷的画像》改编成戏剧？

我十几岁时第一次读到这本书，就被深深震撼了。其核心是奥斯卡·王尔德关于生活是一场盛大戏剧的哲学，人们在其中不断表演，揭示和隐藏自己的不同部分。我觉得维多利亚时期——西方历史上“个人主义”一词诞生的时刻——与我们现在的时代之间存在着某种有趣的对话。

我在《道林·格雷》中看到了一个几乎预言性的故事，讲述了一个痴迷于个人、青春、美丽和物质利益的世界——感觉它就是在谈论我们今天所处的世界。所以它立刻显得非常现代，我很快意识到它可以成为一部感觉非常当代的戏剧作品。

该剧因巧妙运用视频技术而广受好评。摄影师：马克·布伦纳 您在这部剧中用Instagram和Snapchat滤镜玩了些有趣创意——展现人们如何用虚假社交媒体形象作为现代版"阁楼画像"，我认为这非常巧妙。

谢谢。这很有趣不是吗？因为我认为表演自我本就是人性的一部分，是我们作为社会性生物的生存方式。人们常将表演视为虚假行为，但实际上这是我们真实表达自我的方式，只不过它也可能导致失真，成为隐藏真实自我、塑造虚假形象的手段。

在手机时代这点尤其引发共鸣。我们正将自我抽象成虚拟形态，这种自我表演和呈现方式在人类历史上前所未有。我们每天都在手机上重复这个过程。

从这个意义上说，《道林·格雷》的故事从未如此应景，它直指"如何真实表达自我？如何真实生活？*”*的核心命题——尤其在这个肖像画可能让你为私利伪造身份的世界里。就此而言，这是个极具现代性的故事。

斯努克凭借她的表演赢得了奥利弗奖。摄影师：马克·布伦纳 你是如何说服莎拉·斯努克加入的？

我给她写了一封信。

信里说了什么？

信中说我认为她在这部作品中会表现得非常出色。我希望她能接下这个角色。幸运的是她答应了。如果她拒绝的话，我真的不知道该怎么办，因为莎拉是个天才。她的演技令人惊叹。我认为她在这个角色中特别令人兴奋的是，这与我们之前见过的她所扮演的任何角色都截然不同。

这真正展示了她所具备的变色龙般的能力，不仅在于她能转变为一个与她完全不同的角色，还在于她对类型、基调和风格的驾驭能力。她在这部作品中跨越了各种表演模式，从小丑表演到音乐剧，再到高度戏剧化的表演，再到心理剧。你需要一个不可思议的演员，但你也需要一个在工作道德上追求完美且不懈努力的人。我想人们可能没有完全意识到莎拉的工作道德有多么非凡，以及它是如何与她的天赋相匹配的。

这也是一场非常体力的表演——每晚演出一定需要极大的耐力。

每次观看时，我都和她一起坐过山车，因为我知道她在观众看不到的地方所做的所有事情。有一个场景是她在前往夜总会的路上有一段独白。我想人们没有注意到她开始那个镜头时穿着蓝色裤子和黑色鞋子，而走出那个镜头时穿着白色裤子和金色鞋子。她在进行这段令人难以置信的独白，表达深刻而复杂的心理真实，同时有人在帮她换裤子和鞋子。

这部作品的技术复杂度之高甚至让我这个导演都感到震惊。我不知道她是如何做到的，但每晚她都能为角色注入一种新鲜感和真实感，这让我不断受到启发，持续打磨这部作品。

威廉姆斯在排练中。摄影：马克·布伦纳 为美国观众在百老汇上演这部剧有什么不同之处吗？

几个月前我和莎拉重聚，进行了一系列线上会议。我们的对话大多围绕戏剧构作展开，我们都渴望继续完善作品，不放过任何细节。根据这些讨论，我对多个场景进行了重新编排。因此纽约观众将看到一个独具特色且令人振奋的版本。

您认为澳大利亚、伦敦和纽约观众的观剧需求存在差异吗？作为导演如何应对？

每次在新城市首演我都非常紧张。伦敦场尤其如此——作为澳大利亚人，我们要在王尔德最爱的剧院向伦敦观众重新讲述这个伦敦故事，压力不小。但令我惊讶的是，所有文化背景的观众发出的惊叹声竟然如此相似。

您曾将本剧称为"数字时代重混的现场戏剧"，能否详细阐述这个理念？

在我的工作中，我运用了大量科技手段，并且对形式有着极其严格的要求——这意味着技术的运用必须能以多种方式打开故事主题的呈现维度。通过在这部作品中运用摄像机、飞行LED屏、手机和滤镜等技术，观众能即刻产生共鸣，在舞台上看到自己生活的倒影。

你会注意到，我对屏幕的运用在作品中还呈现出极具动态感的空间表达。这不仅体现在屏幕与舞台空间的互动关系，更体现在它们与表演者的关联，如何呼应剧情发展，以及如何与观众建立联系。

比如在某些关键场景，我会刻意调整人物比例。当道林·格雷被亨利勋爵掌控时，舞台上道林是渺小的人形，而背后屏幕上亨利勋爵的影像被巨幅放大。这种空间叙事手法始终贯穿全剧。

影像技术是戏剧的未来吗？我最近也看到其他几部成功运用该技术的作品，比如***《日落大道》***。

戏剧从来都在吸纳新技术。回溯千年，从最初用篝火照明到皮影戏的诞生。即便是极简主义戏剧——空舞台上仅有一把椅子和演员——也配备了六十年前根本不存在的复杂数字电子灯光系统，虽然观众可能不易察觉。在我看来，只要忠于戏剧艺术的本质——即众人共聚一室分享故事的集体体验，任何技术都值得被剧场接纳。

排练中的斯诺克。摄影师：马克·布伦纳 与手持摄像机操作员合作是怎样的体验？毕竟他们是这场演出的重要组成部分。

指导他们令人兴奋，这是一次极具创造性的经历。我有一台显示器，可以三维可视化舞台空间和其中的屏幕，并实时传输视频画面。这对我来说就像绘画——我移动屏幕，在排练室里寻找合适的配置。

工作人员是这场演出成功的关键。他们必须以毫米级的精度对准标记。我指导的摄影就像一部故事片——在画面构图和摄像机运动节奏上非常精确。他们必须与表演者共舞，夜复一夜地保持这种精准。就像你需要一个能扮演26个角色的演员一样，你需要一支才华横溢的团队，我很幸运找到了他们。

在这部剧中指导莎拉与自己对抗，与传统的演员阵容舞台表演有何不同？对你来说这个过程是怎样的？

我以前指导过32名演员的阵容，但当我还是个非常年轻的导演时，我有一套方法，非常倾向于让所有演员都按照我的方式工作。在职业工作的头几年里，我放弃了这种方法，因为我意识到每个演员都有自己独特的工作方式。作为导演，我工作的很大一部分是找到与演员交流的特定创作语言，然后在排练室里建立创造性的对话。如果你不去探索表演者最佳的工作方式，那真的是对艺术作品的不尊重。

这部作品的独特之处在于，有一位演员不仅分饰26个角色，还经常在同一场景中与七个不同版本的自己对戏。因此重点不在于将不同创意缝合起来，而更像是与管弦乐团合作——我和莎拉共同打造各具特色的乐器。

我就像莎拉·斯努克交响乐团的指挥，对她说：“这里需要加点小提琴声"或"这个段落要加强打击乐”。莎拉拥有绝妙的乐感，这种合作方式令人愉悦。

听说你把《道林·格雷》的影视版权卖给了凯特·布兰切特制片公司，接下来会投入这个项目吗？

目前还在萌芽阶段，我正在构思如何将《道林》改编成电影。关键在于破解电影语言，开辟全新的叙事方式。虽然会保留与剧版的相似之处，但这将是一部以全新艺术思维重构的作品。