当别的乐队想红想赚钱的时候，这支乐队竟然只想“飞升”！_风闻

​第一次听到他们的歌时，直观感受是“很惊奇”。

这是一支什么样的乐队呢？似乎有种魔力，能一把松弛嵌入音乐里。

搜寻全网却少有他们的讯息。

大家对乐队的评价是赛博飞升、摇滚道士、修仙电子、后朋中医，甚至有人说乐队的logo看起来像“道士画符”。

他们有古筝，有大鼓，又有合成器等电声器乐，他们融合了民族电子、后朋噪音、爵士等风格

听过他们的音乐你会…..

以为这是几个看破红尘的中年人？结果全员97、98年的年轻人。

以为他们不是专业院校出身？谁知道人家全员都是武汉音乐学院专业生。

以为他们是电声专业？结果人专业：音乐教育、钢琴调律、民乐古筝。

他们就是充满了探索与实验、不仅在音乐创作上打破了传统界限、更在舞台上展现出了独特魅力的声无哀乐。

乐队是被忽悠来的

一切的一切都要从这个充满故事与传奇色彩的男孩————杨宗勋说起。

大一的杨宗勋（主唱/键盘）从武汉音乐学院肄业后，他选择了四处流浪。

性格孤僻的他，身无分文，每天依靠朋友救济的一碗热干面维持生活。

生活的重压接连而来，分手、失业、欠债，使得他每个夜晚都醉倒在街头。

但无论如何失意、落魄，他都没有放弃音乐，坚持在不同的情绪、环境和故事背景下创作自己的音乐作品。

某个夜晚，杨宗勋（主唱/键盘）和同班同学兼室友的杨云钦（鼓手）一起出去看演出。

两人被鼓声深深吸引，两人都决定想做一些融合，或者说一些新风格的一些乐队。

没有打过鼓的杨云钦（鼓手）开玩笑说这种鼓他也行，于是杨宗勋（主唱/键盘）一顿忽悠，杨云钦（鼓手）买了鼓，开始他们的音乐之旅。

就这样，杨云钦（鼓手）被杨宗勋“忽悠”进了乐队。

同样被“忽悠”进来的还有正在考研的熊茗玥（古筝）。

熊茗玥（古筝）和杨宗勋本来是学校同社团的社友，虽然一个是音教系、一个是民乐系，但都对音乐有着不一样的看法，于是两人在社团里变成了朋友。

当时考研的压力让当时的熊茗玥感到非常的迷茫和郁闷，杨宗勋便提议带她出去旅行散心。

可是两人一合计，发现兜里加起来还不到300块，最后只能选择去恩施的同学家农家乐游（bai）玩（piao）。

他们一起在山间骑行、穿梭，去看日出、去听风声、去听鸟鸣，于是熊茗玥被大自然的声音所打动，她发现大自然的力量是多么神奇而伟大，相比之下她的烦恼又算得了什么呢？

于是这场旅行结束她放弃了考研，加入了乐队。

最后加入的是正在琴行工作的贝斯手张博，当时武汉琴行收入并不高，除了卖琴就是给小朋友上课，日复一日空洞且迷茫。

于是杨宗勋不费吹灰之力的用自己的才华和热情将其“拿下”，于是张博（贝斯）也加入了乐队。

就这样，四个人、一台键盘、一把古筝、一面鼓、一把贝斯，声无哀乐乐队在武汉的一个地下室里正式成立。

他们没有钱、没有名气，只有对音乐的热爱和执着。在最开始的一年里，他们和九个乐队合租一个排练室，白天各自上班、晚上一起排练。

杨宗勋作为乐队的核心创作者，他的音乐融合了各种风格，使得乐队的作品独具特色。

熊茗玥的古筝演奏为乐队增添了传统与现代融合的韵味，而杨云钦的鼓声和张博的贝斯演奏则为乐队带来了强烈的节奏感和稳定的低音基础。

他们用音乐书写记忆、用音符还原感知，他们不被外界的压力与评价裹挟，他们在小小的排练房挥洒汗水，只为自在真实的表达心中所想。

《声无哀乐论》

声无哀乐，这个乐队名字源自三国时期嵇康的《声无哀乐论》。

嵇康认为，音乐如同自然界的万物，本身并无哀乐之分，而是人们内心的情感与之共鸣后，才赋予了音乐以情感色彩。

这一理论，成为了这支来自武汉的民族实验融合乐队的灵感之源。

乐队的成员们深受嵇康理论的影响，他们认为音乐是一个独立的存在，不应被固定的情感所束缚。

音乐创作出来后，到作品呈现的那一刻，他们的职责便已完成。

剩下的，便是听众与音乐的对话，是听众在音乐中寻找、感受并赋予其意义的过程。

他们认为“声无哀乐，其实就是声音，它类似于你在街上无意识地发出的一个哈欠，或者伸懒腰时的声音。这些声音本身并无特定意义，但它们是我们生活中无数印象的交织，是自我印象的具象化。”

他们希望，通过他们的音乐，能够创造一个类似于“我的世界”那样的游戏场景，让听众在音乐的沙漠、夜店或极速追杀的场景中自由联想，编织属于自己的故事。

他们不强加任何情感或意义于音乐之上，而是让听众自行感受、解读并赋予音乐以生命。

大家通过不同的路径进入这个音乐的世界，但共同的理念将他们紧紧相连。

对他们来说音乐不是由他们来定义的，而是由每一位听众通过聆听、感受、寻找、赋予和得到来赋予其意义的。

乐队自成立之初便以其独特的音乐风格和才华横溢的演出吸引了众多关注。不久后，他们便受邀参加了多个大型比赛及演出，每一次的亮相都让人眼前一亮。

2020年，QQ音乐举办的YOUNGMUSIC校园乐队大赛如火如荼地进行着。

声无哀乐乐队带着他们的作品走上了舞台，那一刻，整个现场仿佛被他们独特的音乐氛围所笼罩。

每一首曲子都像是讲述着一个动人的故事，旋律中透露出浓厚的国风情怀与现代音乐的完美结合。

最终，他们以出色的表现赢得了全国总冠军。

随后的日子里，声无哀乐乐队并没有停下脚步。他们在各地的地下livehouse中活跃着，每一次演出都能引起轰动。

2021年，他们参加了星巢计划和沃克星计划，再次以卓越的编曲和演奏技巧赢得了全国十强和最佳编曲的荣誉。

赛博念经源于生活

时间来到了2022年，声无哀乐乐队发行了他们的首张专辑《聲無·哀樂》。

这张专辑就像一幅深邃的水墨画，古典与现代元素交织，为我们呈现了他们对中国音乐的独特解读。每一首歌，都似乎在低声细语，讲述那些被岁月掩埋的古老故事，而这些故事，又被赋予了新的生命，跃然于现代音乐之中。

这张专辑里的不少曲目，都源自杨宗勋生命中的低谷时期。

那段时间，他经历了从学校肄业、分手、失业到欠债等一系列打击。生活似乎失去了方向，但音乐成了他唯一的慰藉。

《闲人夜游灯火会》这首歌，就是他那段时间常常流连于学校附近大成路夜市的真实写照。

每当夜幕降临，他总是一个人默默地走在灯火阑珊的街头，看着熙熙攘攘的人群，仿佛自己是个局外人。这种感觉被巧妙地融入到歌曲中，让人仿佛能够身临其境。

而《借酒》这首歌，更是他那段最颓废时期的真实写照。

每天晚上，他都会喝得烂醉如泥，试图用酒精来麻痹自己。但即使每天都醉倒在地，他也没有选择放弃。相反，他把这种痛苦和挣扎化为了创作的力量，写下了这首《借酒》。

那天是圣诞节，杨宗勋一个人出去喝酒。酒后，有人突然说外面下雪了。他走到门口，看到雪花飘落，心中涌起一股莫名的悲伤，于是他写下了这首歌。

歌词中的“喝杯酒，准长寿，五魁首，六六六”，似乎有点像《将进酒》初听时给人一种潇洒的感觉，但仔细品味，却能感受到那份怀才不遇的离愁和无奈。

杨宗勋说，声无哀乐这个名字取自嵇康的《声无哀乐论》，也是他们对音乐的理解。

音乐和酒一样，本身没有情绪，但它们能够构建起一个环境，让每个人在其中找到自己的影子。这也是声无哀乐乐队音乐的魅力所在，他们能够用音乐构建起一个情感的空间，让听众在其中沉浸、感受。

而专辑中最受欢迎的歌曲，诞生于杨宗勋的一次东湖骑行。

那一会儿，乐队已经小有名气，似乎阴霾与失意以及浅浅远离这个热爱音乐的年轻男孩。

那天夕阳西下，阳光透过树叶洒在他的脸上。他看着太阳缓缓下坠，心中涌起一种飞升的感觉。那一刻，他感受到了生命的升华和超越，于是写下了那绝作的《飞升》。

当《飞升》的旋律响起，仿佛一幅画卷在听众的脑海中徐徐展开。

稳定的鼓声和筝音交织在一起，如同天道的轮回，永恒而深远。这些传统的民族乐器声音，让人感受到一种古朴而庄重的氛围。

而在这古朴的旋律之上，斑驳交错的合成音效如同人心的纷繁复杂，它们与现代电子音乐元素相结合，为这首歌曲注入了现代的气息。

这种传统与现代的交融，让人仿佛穿越时空，置身于一个既古老又现代的音乐世界中。

在配器上对音乐的结构进行设计，是作曲的主要考量范畴之一，而这门技术，在专业领域叫做多层素材分离。

我们都知道，人耳能听到的有效素材一般是3层，所以为了在音乐上实现有效传播，我们在作曲的时候一般都会考虑做3层素材，那么这个时候就需要对素材进行有效分离方便听众更容易获取音乐信息。

我们有4个手段可以有效分离素材：音域（把不同素材分离到不同音域、独特的技法）、使用不同的技法（演奏乐器的时候，听众更容易分离素材）、节奏（为素材设计不同的节奏）、音色（为每层素材设计不同的音色）

这就是本文中提到的中国传统乐器与现代乐器的融合。有了这样的思路，我们在作曲的时候，能够更精确达到目的。

无尽可能

随着专辑的发行，乐队开始了「四個大字」全国巡演，所到之处票房口碑双丰收，受到了行业内外的一致好评。

他们用音乐重新定义了国风。在他们的作品中，你听不到简单的押韵和旋律重复，而每一首歌曲都散发着独特的韵味，蕴含着深刻的内涵。

当他们的音乐响起，仿佛能引领听众进入一个充满诗意和想象力的奇妙世界，让人沉醉其中，感受那由音乐带来的心灵震撼。

他们用音乐创造一个开放的世界，等待每一位听众在其中探索、感悟并找到自己的故事。

舞台，对于声无哀乐乐队的成员们而言，不仅仅是一个演出的场所，更是一个圣地。

一个他们与音乐、与观众产生深度共鸣的地方。

每当站在舞台上，他们都能将自己对音乐的热爱与理解，以最纯粹的方式传递给每一位观众。

声无哀乐乐队的音乐之旅，始终贯穿着探索与创新。他们不仅在音乐创作上勇于打破常规，更在每一次的舞台上都展现出别具一格的魅力。

对于他们来说，每一次的演出都是一次与观众的深度交流，也是一次对自我音乐理念的实践和检验。

在谈到音乐创作的多元性时，主唱杨宗勋的眼神中闪烁着对音乐的无限热爱。

他坦言，声无哀乐乐队始终致力于打破各种固有的标签和框架，希望让音乐以更加立体、全面的方式呈现在大众面前。

他们不愿被任何风格或标签所限制，而是渴望在音乐的海洋中探索更多的可能性，展现出音乐那丰富多彩的魅力。

他们期待能够亲身体验不同的音乐文化，从中汲取灵感，进一步丰富自己的音乐创作。

同时，也希望能够将中国的音乐文化带到更广阔的舞台上，让世界感受到中国音乐的独特韵味。

他们希望用自己的音乐去发现和创造更多的美好，让每一个听众都能在他们的歌声中找到属于自己的故事和力量。

而乐队的名字“声无哀乐”，也正是他们对音乐最独特的诠释——音乐，不应被情绪所束缚，它应该是自由的、多元的，充满了无尽的可能。

心若有梦，远又何妨。

本文作者：金大珊  / 编辑：金大珊

参考资料：

谁说传统乐器不能电子摇滚———————野游记

专访声无哀乐乐队 年轻人的音乐态度是什么？——————刘初九的采访日记

音乐麦田|专访预告：聲無哀樂乐队——“心之与声 明为二物”——————楚天音乐广播

「聲無哀樂」与「池沼ChiZhao」正式达成合作｜重新定义新中式——————池沼ChiZhao