乔治亚·欧姬芙：超越花朵的传奇 - 《华尔街日报》

乔治亚·欧姬芙，《晚星二号》（1917年）。照片：乔治亚·欧姬芙博物馆/艺术家权利协会（ARS），纽约去世37年后，乔治亚·欧姬芙仍以她标志性的花卉和风化头骨画作闻名。2014年，她的一幅花卉画作以4400万美元拍卖成交，至今仍是女性艺术家的最高纪录。然而近年来，博物馆开始全面探索她的艺术生涯，这一趋势延续至今年春季的两场展览。4月9日在纽约现代艺术博物馆开幕的《凝视需要时间》聚焦欧姬芙早期创作纸上系列作品的关键岁月；而5月13日在圣地亚哥艺术博物馆开展的《欧姬芙与摩尔》则将这位美国艺术家与英国同代人、雕塑家亨利·摩尔的作品并置。

1887年出生于威斯康星州的欧姬芙年轻时曾在纽约和芝加哥学习艺术，但后来她写道自己脑海中有着"与所学截然不同的东西"。她渴望简化，寻找事物的本质：“山丘或树木本身并不能构成好画作。“1915年担任美术教师期间，她开始创作系列素描，每次对图像进行细微变化。她最初主要使用木炭作画，并回忆道：“我决定在无法回避色彩之前绝不使用任何颜色，记得直到那年六月我才第一次需要蓝色。”

乔治亚·欧姬芙的木炭画《鹰爪与豆项链》（1934年）。图片来源：乔治亚·欧姬芙博物馆/纽约艺术家权利协会(ARS)到1917年，欧姬芙开始允许自己使用全色谱色彩。策展人萨曼莎·弗里德曼在《观看需要时间》图录中写道，“晚星"系列的八幅水彩画描绘了日落过程——从略显模糊的开端到"清晰的色带…再回归朦胧的消散”。该系列最后一幅作品已近乎抽象。1916至1917年间，她以德克萨斯狭长地带的帕洛杜罗大峡谷（当时她在附近任教）为主题创作了另一个八幅素描系列及三幅相关画作。展览中展出了一幅全彩油画，将峡谷岩石与碎石转化为一系列赤褐色卵形物体，朝着简约的深蓝色山丘蜿蜒排列。

1918年后，油画开始成为欧姬芙创作的核心，但她仍持续在纸上创作。1959年的环球旅行让她得以从飞机上观察河流，由此激发了一批十余幅描绘河道弯曲分叉结构的素描与油画。“那些河流仿佛真的会跃起撞入你的眼帘，“欧姬芙在采访中回忆道。

1946年，欧姬芙与摩尔的职业生涯在现代艺术博物馆产生交集，当时两人都在此举办重要个展。策展人安妮塔·费尔德曼表示，虽然两位艺术家曾会面但各自发展，而圣地亚哥展览首次将她们的作品并列呈现。展览包含约125件重要作品（两位艺术家各占半数），并复原了摩尔和欧姬芙的工作室场景。

费尔德曼女士认为，两位艺术家都运用了摩尔所说的"自然形态图书馆"来构建他们的现代主义视野。他们都是石头、骨头和其他现成物件的狂热收藏者，这些元素常常融入其艺术创作中。《奥基夫与摩尔》展览将摩尔的石灰华雕塑《斜倚的骨形人像》（1975年）——这件带有两个镂空圆圈的近乎抽象的水平人像——与奥基夫的《骨盆四号》（1944年）并置展示，后者是一幅放大的狐狸骨骼画作，透过骨孔可见白昼的月亮。

与奥基夫相似，摩尔也反复回归某些特定形态，包括物体相互嵌套的构图，如《直立内外形态工作模型》（1951年）。这位雕塑家表示，这种形态既唤起母子纽带，又让人联想到花瓣包裹花蕊的意象。在《讲坛上的杰克三号》（1930年）中，奥基夫同样运用了嵌套概念——“花朵形态渐次舒展，袒露内在空间”，费尔德曼女士如是解读。

费尔德曼指出，无论是运用青铜、木材、石材还是纸本与画布创作，摩尔与奥基夫都共同探讨着"人类与自然及环境的关系”。这种艺术观似乎超越了生死界限。在圣地亚哥展出的奥基夫最动人的画作之一中，她将有着扭曲眼窝和空洞下颌的公羊头骨——这个关于死亡最直白的象征——与绽放着淡蓝色光芒的牵牛花并置描绘。

本文曾以《超越花朵的乔治亚·奥基夫》为题发表于2023年3月25日印刷版。