《罗伯特·马瑟韦尔：与思维同速的绘画》评论：纸本探索 - 华尔街日报

“罗伯特·马瑟韦尔素描：如思维般迅捷”展览现场摄影：保罗·赫斯特休斯顿

罗伯特·马瑟韦尔（1915-1991）要么从未创作过不引人入胜的素描，要么从未允许任何一幅作品离开他的画室。这一观点在梅尼尔素描研究所举办的“罗伯特·马瑟韦尔素描：如思维般迅捷”展览中得到了印证。该展览由研究所首席策展人爱德华·科普策划，与《罗伯特·马瑟韦尔素描全集》的出版同步进行，是对这位最年轻、可以说最精致且最具知识分子气质的抽象表现主义艺术家纸上作品迄今最全面的回顾。展出来自1940年代至1980年代末的100多件作品，涵盖公共和私人收藏（包括艺术家基金会），追溯了马瑟韦尔在《西班牙共和国挽歌》、《海边》、《抒情组曲》和《开放》等主要系列中对不同媒介、纸张、笔触和标记的探索。

马瑟韦尔通过素描即兴创作、探索可能性、尝试不同方案，并始终敏锐关注材料特性。这些变化显著的成果始终保持着抽象性，但通过作品标题提供的线索，能感受到他对周遭环境、阅读体验或深切关注事物的回应。他将飞溅的墨点与色块并置，让锐利边缘与蓬松笔触形成对比，运用从铅笔、墨水到油画等多种媒介在不同纸张上创作，有时融入潦草文字、色彩或拼贴元素，且多以系列形式呈现。一个激发灵感的冲动或表现性笔触可能被反复探究，有时跨越数十年。例如在休斯顿展出的墨水素描《西班牙共和国挽歌1号》（1948年）——马瑟韦尔著名的椭圆与垂直条块碰撞构图的首个版本，就与1960-70年代的复现版本共同展出。

这场精彩的展览以《墨西哥素描本》（1941年）中松散、漩涡般的墨水画开始，见证了马瑟韦尔早期对超现实主义自动书写实践——高雅的涂鸦——的兴趣。这些涂鸦在20世纪40年代初创作的充满心理张力的绘画中硬化成抽象人物，某种程度上借鉴了毕加索和米罗的风格，其庄重感被几幅为拉封丹寓言所作的带有卡通昆虫的俏皮插图所挑战。到了20世纪50年代，作品选择更加多样化，从大形状的图形排列到拼贴画，再到慷慨的书法，以及透明水洗背景上成簇的急促、尖锐的线条。

罗伯特·马瑟韦尔《抒情组曲》（1965年）中的一页照片：达达罗斯基金会/ARS，纽约最具先见之明且成就斐然的早期作品是大幅直白的《带污点的人物》（1943年），这是对佩吉·古根海姆建议年轻画家尝试拼贴技术的回应。他后来表示，他爱上了这种技术，通过使用离散、平面、分层的构造感到解放。展览中穿插着一些自信、对抗性的例子。这些作品有时精致，有时粗糙，由（除其他外）撕碎的棕色纸片、乐谱和法国高卢香烟的粉蓝色包装纸等各种材料拼贴而成，后者成为马瑟韦尔的标志。（他的前妻海伦·弗兰肯塔勒告诉我，他要求她不要在画作中使用高卢蓝；她说她同意了，“但当他声称赭石黄时，就太过分了。”）拼贴成为马瑟韦尔余生艺术词汇的一部分，并激发了他一些最有力的作品，如强烈的《带高卢8号的猩红》（1972年）——在明亮的红色背景上，一个蓝色香烟包装悬浮在一片赭石色上——如此大胆和有力，以至于其组件的时尚来源被完全压倒。

光彩夺目的《意大利的夏日》（1960年）以其蜿蜒曲折、光影交错的柔和色调，以及《海边》系列（1962年）充满爆发性弧线与笔触的作品，彻底改变了氛围。马瑟韦尔曾表示，后者的创作灵感源自他在马萨诸塞州普罗温斯敦海滨住宅目睹海浪拍打防波堤的景象。他苦苦寻觅能体现水之能量的意象，直到开始将墨水和颜料泼洒在纸上，创造出一种隐喻性、充满活力的等效表达。

一面由24幅简约书法式《抒情组曲》素描（1965年）组成的展墙，采用日本宣纸绘制，印证了马瑟韦尔当初"不经批判性反思与判断就修改或添加"、一气呵成完成千张购买的宣纸的创作初衷。材料的表现力令他着迷。正如他所描述：“墨水与纸张相互作用时，这些画作实际上在自行延续创作。“1965年5月挚友大卫·史密斯去世后，他在完成约600幅素描时中止了这个项目。“我再未创作过《抒情组曲》系列的其他作品，“马瑟韦尔写道。

罗伯特·马瑟韦尔的《开放素描》（1967年）图片来源：Dedalus Foundation/ARS, 纽约在最为精简的《开放》系列（除一件外，本次展品均创作于1970年代）中占据主导地位的图像，通过重申纸张的矩形轮廓，暗示着从建筑到无限空间的种种可能，同时向马蒂斯最具几何感的构图致敬。与其他素描作品一样，“开放"构图成为色彩浓郁画布的基础，但纸本作品则保持简约，摒弃了彩色色调。展览以私密即兴的作品收尾，正如其开场——这里展出的是更具文学启发性的《乔伊斯速写本》（1985年）以及大型而坚定的拼贴作品。马瑟韦尔的艺术生命力跃然眼前，正如他描述素描创作时所言：“与思维同步的迅捷表达”。

威尔金女士是一位独立策展人和评论家。

2023年1月23日印刷版以“纸张探索”为题发表。