焕然一新的大卫·格芬音乐厅奏响华彩乐章——《华尔街日报》

吴蔡剧院摄影：迈克尔·莫兰纽约

当马克斯·阿布拉莫维茨在1959年公布林肯中心爱乐音乐厅的设计方案时，公众被告知"声学问题已被置于所有其他考虑因素之上"。若果真如此便好了。他设计的音乐厅设有2400个座位，远超出他认为的理想数量，即便如此仍不及乐团前驻地卡内基音乐厅的规模。在各方压力下，他被迫将观众席扩容至2646座，远超声学承载极限。所谓声学优先的承诺就此落空。

不出所料，这座号称"全美最完美乐器"的建筑最终沦为声学灾难。此后数十年间，人们不断尝试修复其音质，却始终收效甚微。10月8日，历经5.5亿美元翻新（该场馆1973至2015年间名为艾弗里·费雪厅，现称大卫·格芬厅）的音乐厅重新开放，再度试图扭转局面。

尽管改造涉及多项考量（包括提升建筑亲和力与可达性），但声学效果此次确被置于首位。钻石·施密特建筑事务所与合作方托德·威廉姆斯·比利·钱建筑事务所全力配合声学师保罗·斯卡伯勒的设计：座位数精简至2200个，取消舞台前部结构，将表演区前移并设置后方阶梯座席。这些改动显著增强了空间的亲密感。

大卫·格芬音乐厅外观摄影：迈克尔·莫兰声学设计的核心挑战在于反射声音的同时避免刺耳的回声。19世纪的伟大音乐厅通过繁复的建筑纹理——立柱、檐口和装饰镶板来分解声波。格芬厅的建筑师则采用抽象手法实现这一目标，将大面积素木墙面与亚麻褶皱般聚拢的通道巧妙平衡，最终打造出一个由柔和榉木构成的温暖空间，如同盛满蜂蜜的圣杯般熠熠生辉。

戴蒙德·施密特事务所负责总体规划，威廉姆斯/钱工作室则担纲内部空间细节设计。他们面临独特挑战：必须保留阿布拉莫维茨设计的原始外立面，而音乐厅内部形态完全由声学需求决定，设计团队仅能塑造过渡空间。这些空间既要自成魅力，又需无缝衔接1962年的外立面与2022年的演奏厅。尤为关键的是底层功能区——环绕着售票窗与自动扶梯的实用型大厅，人们通常会快速通过此处。

大卫·格芬音乐厅内部摄影：迈克尔·莫兰威廉姆斯/钱的设计一扫旧貌，将售票处移至角落，开放空间使其成为外部广场的自然延伸。实际上，这里现在是一个社区客厅，配有可移动的椅子和沙发——饰以欢快醒目的亮色条纹——以及图案精美的蓝色地毯。这种对开放性的坚持并非流于形式。空间后方设有一块52英尺长、8英尺高、4200万像素的电子屏幕，让无力购票的观众也能欣赏楼上演出。（这是引导人们接触严肃音乐会世界的绝妙方式。）威廉姆斯先生告诉我，他并不喜欢将电子显示屏作为建筑元素，但他灵机一动，将其视为一种电影屏幕，用抽象的金色帷幕装裱，并置于浅穹顶之下，使这块本只是超宽电视的屏幕拥有了影院般的庄严感。

楼上主层的视野令人惊叹，建筑正面一览无余，形成宽敞的大厅，向外延伸至宽阔的凉廊。这里体现了威廉姆斯/钱对色彩和表面质感的标志性敏感，深蓝与金色的配色方案呼应了原建筑的风格。通往礼堂的墙面上装饰着巨大的橙色花瓣图案，这一元素延续至观众席的织物面料上。这是对音乐的绝妙隐喻——玫瑰花瓣从空中轻轻飘落，灵感源自罗马在圣灵降临节向万神殿穹顶眼洞撒落玫瑰花瓣的传统。这一图案贯穿整个观众席，从前往后，座椅面料的蓝色逐渐让位于橙色，仿佛被音乐的轻柔力量向外吹散。

在参观过程中，建筑师们谈到了他们希望创造一种新型魅力的愿望。他们确实做到了，通过一场致敬原建筑的中世纪现代主义复兴，同时暗示着对1962年已逝的释然。威廉姆斯/钱团队以迷人的魅力和光彩完成了所有被要求的工作。但或许他们本可以被要求做得更多？在公共场合聆听音乐是公共生活的一部分，而建筑为这种生活赋予了深度和共鸣。这就是那种曾被古怪地称为"得体"的品质——建筑可能向我们暗示我们应该如何着装、如何行事。格芬音乐厅的观众席显然追求着这种得体，而楼下的社区客厅则似乎满足于提供装饰，这两者并不相同。

刘易斯先生在威廉姆斯学院教授建筑史，并为《华尔街日报》撰写建筑评论。

本文发表于2022年10月24日印刷版，标题为《一次恰到好处的翻新》。