有哪些作曲上的事实，没有一定作曲知识的人不会相信？_风闻

　　随着近几年很多唱作类节目的播出，以及网络上很多音乐自媒体的科普，流行音乐中相当重要的一环——作曲，开始被更多的听众了解。

　　很多听众已经可以自己尝试着进行流行音乐的作曲，有的甚至还能够写出不错的作品。

　　不过，这些节目或是科普，虽然让更多的人了解到了什么叫作曲，但是一些作曲上的冷知识，如果没有经过许多的作曲积累，还是很难了解到的。

　　今天我们来盘点一下，那些在作曲当中的冷知识。如果大家要尝试自己作曲的话，可能会有一些帮助。

　　作曲这件事本身并不难，难的是写出高质量的曲子

　　我们先来看一个视频，这是《无限歌谣季》当中，小岳岳和于文文幕后创作的部分：

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　　画面里于文文一边弹吉他，一边跟着吉他的和弦走向，哼唱着旋律。这个“找个调把歌词哼唱出来”的过程，就是作曲。

　　吉他作为辅助，限定一个和弦框架，是更严谨的做法。其实拿掉吉他，对着歌词哼唱，也是没有问题的。

　　而“写好歌词然后随便哼一个调”这件事，就是流行音乐里对作曲最低的要求。这是很多音感正常的人，都可以做到的。

　　换言之，作曲这件事远没有很多人想象得那么高深莫测，它并不难，反而门槛很低，很多普通人也都具备这种基础的作曲能力。随口哼个调有什么难的，随心所欲地哼就是了。

　　但是能做这件事，不代表能做好。

　　没有乐理支撑，全凭感觉哼唱，一般都会有以下几个弊病。

　　1、没有节奏、律动概念，曲子很乱

　　我曾经就遇到过类似这样的作曲，她哼的旋律线，走向还算比较正常，但是参差不齐，第一句2小节，第二句就变3小节了，第三句开始从四四拍变成了八六拍，完全没有一个节奏概念，显得非常杂乱。

　　稍微好一点的，可能能比较不错地写完一个主歌，但是到下一个段落，突然节奏加快，前一段还是很舒缓的，下一段突然变得很密集、激烈，不符合节奏张弛的规律。

　　2、走向违背常规

　　还有一种就是哼出的旋律走向，不符合正常的听觉习惯。

　　自己随便哼出个旋律，但是因为没有旋律走向、和声意识，哼出的旋律拐点很奇怪，该上行走向的时候突然掉下来，或者该下行的时候又突然拔上去，曲子听着像坐过山车。

　　这样的旋律，对应的和声往往也跳脱出了那些正常的和弦连接。

　　3、很容易和别人撞旋律

　　如果能跨过前两个门槛，那就进入了一个“至少能哼出一首还算像样的曲子”的程度。

　　但这个阶段，仍有一个最大的隐患，就是会很容易哼出不是自己的东西，而是很多其他歌曲的旋律碎片。

　　这种哼唱式作曲，实际上就是把脑海中听过的旋律碎片，无意识地拼凑在一起，最多算是个二度创作。

　　而由于哼唱者缺乏对音乐的敏感性，经过自己脑海的重组，哼唱者往往听不出来自己其实已经沿用了他人的旋律。

　　这也是绝大多数哼唱派做出的曲子不高的原因。

　　当然会有朋友反驳：徐佳莹也在不懂乐理的时候，哼唱出了《一样的月光》；吴青峰作曲也是靠哼唱。哼唱也是可以出好作品的。

　　这是没错的，哼唱也可以出好作品。但他们两位的情况，还不太一样。

　　吴青峰是具备非常深厚功底的，即使没有乐器辅助，乐理知识对他而言也是了然于胸。这种时候，他就可以摆脱形式上的束缚，选择自己最舒适的方式进行创作。

　　换言之，虽然形式都是哼唱，但是这是完全不同的境界。

　　至于徐佳莹，只能说她真的是非常有天分的创作者。但即使如此，《一样的月光》也不能代表她创作的最高峰，她也是经过了更系统的学习，后来才能写出更优秀、更成熟的《身骑白马》、《绿洲》、《大头仔》等作品。

　　而对绝大部分初涉音乐的创作者而言，如果要靠这种哼唱式创作走下去，九成九都成不了徐佳莹，只能是李袁杰、花粥。所以如果要想写出高质量的曲子，还是建议先储备一定的乐理知识，再进行创作。

　　作曲和作词并不是完全割裂的两部分

　　还是看刚才那段岳岳和于文文的视频。中间于文文说岳岳写的歌词，字数不统一。

　　背后隐含的态度其实是：歌词不规整，也是会影响作曲的。

　　我们可以以杰伦的《青花瓷》为例，来看一下。不管是主歌还是副歌，每句的字数基本都是10~12字，非常规整。

　　因为歌词的字数，对应的是旋律线的长度。

　　如果字数不统一，一会儿多一会儿少，旋律线势必也是忽长忽短，这是违背正常听感的。

　　很多音乐爱好者，是从写歌词开始尝试音乐创作，然后想找作曲者帮忙作曲，所以可能会更看重歌词的文字优美、内涵，这些。这些当然也很重要，但是歌词除了阅读这个功能，还有一个重要的作用，就是和曲的咬合。

　　如果歌词每句的长度里出外进，那么作曲者为了迁就文字美，只能是牺牲曲的流畅性。

　　换言之，这种看似为了文字美感，而把字数写得参差不齐的歌词，实际上大大挤压了作曲的发挥余地。这样做出的曲子，好听的可能性很低。

　　这也是本末倒置的行为，歌曲歌曲，重点还是在一个曲字上。歌词其实应该是辅助作用的。

　　在作曲当中，用简单的思路往往更容易写出好东西

　　很多经典的好歌，往往都有一句最抓耳最有记忆点的旋律。这种旋律的写法往往并不刁钻；节奏也并不复杂，而且重复的节奏型较多；组成音也比较少，可能只用了三四个音。

　　比如罗大佑老师的《恋曲1990》，最抓耳的副歌第一句，组成音只有4个，节奏也是在第一拍和第三拍，使用了相同的八分音符附点+十六分节奏：

　　朴树的《那些花儿》，经典的“啦啦啦”，组成音只有3、5、6这3个，节奏也是十六分+切分音的重复使用：

　　游鸿明的《下沙》，最有记忆点的副歌第一句，4个音就写出来了，整个副歌段落也基本都是重复第一句的节奏：

　　林俊杰的《黑夜问白天》，最抓耳的一句，也是用重复的节奏型+3个音就写出来了：

　　周杰伦有一段很经典的三键成曲。即以3个音为主来写旋律：

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　　周杰伦本身的旋律天赋就很高，所以他几乎写什么都是信手拈来。但这个案例也可以看出，用一些很简单的思路和元素，是可以写出好听抓耳旋律的。

　　事实上，周杰伦也正是“用简单的思维就写出优质旋律”的典型代表。他很多初听就抓耳的歌，旋律就是这样写出来的。

　　比如《我的地盘》，副歌每一句都是2~4个音就写出来：

　　《断了的弦》，最好听抓耳的部分是过渡段“我突然释怀的笑”那部分，每一句几乎也都是3个音就写成了，而且节奏高度一致：

　　为容祖儿创作的《小小》，最抓耳的副歌第一句，就是个节奏均匀的持续上行再下行回来：

　　所以写好听的旋律，其实不必一味追求复杂和所谓的高级，用简单的创作思路，反而更容易写出好东西。

　　节奏是最能够体现歌手鲜明风格的要素

　　作曲三要素中，节奏是比和弦、旋律更能够彰显歌手个人风格的要素。

　　爱在和弦上面做文章的唱作者，比如方大同、陈绮贞、李荣浩等等，懂音乐的人更容易听出来他们较之常规和弦所作出的变化，但是这有一定门槛，一般听众不容易听出来；

　　旋律型的唱作者，比如周传雄、张宇、陈小霞等，他们写的歌非常优美，但是也总觉得还是少一个特别具象化的风格标签。

　　但节奏不一样。典型如周杰伦、李宗盛、五条人等，你一听就知道，这就是他们的风格。原因就在于，他们在节奏上做文章，形成了自己独特的断句习惯、歌词表达方式。

　　周杰伦不必多说了，他的招牌就是将很多段落用似说似唱的方式演绎出来，在旋律和说唱之间非常流畅地无缝衔接。

　　李宗盛，他的特色是节奏和歌词字义的断句、抑扬顿挫非常一致，而且比较随性、多变，更像是一个人独自喃喃自语的感觉。比如现场唱过的《漂洋过海来看你》、《梦醒时分》等，一听那就是李宗盛的风格；

　　还有一种就是在一些关键的拍子上，将音符进一步分割，非常快速地闪过。比如《我终于失去了你》：

　　五条人爱用密集的节奏，以及短促的切分、延音、连音等等，让旋律产生一种似说似唱的感觉。

　　对比一下伍佰版的《Last Dance》，和五条人版的，这种感觉就会非常强烈。

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　　伍佰的原版，都是节奏均匀的八分音符，很平稳：

　　而五条人版的，将节奏切分成十六分音符，更有舞的律动感：

　　还有比较典型的如《道山靓仔》，主歌有很多快速密集的口语化处理：

　　这些歌手在节奏上的处理，是他们的作品，一听就是他们的风格的根源所在。

　　旋律好记≠旋律优秀

　　很多优秀经典的歌曲，往往都有至少一句旋律，具有很深刻的记忆点，能够让人听一遍就过耳不忘。这种精华旋律，是好歌能够流传起来的一个重要因素。

　　但是反过来，有记忆的记忆点。

　　就好比芥末的味道，可能更容易让人印象深刻；但深刻不代表好吃，正经吃饭的时候大多数人还是更偏爱蔬菜的味道。

　　旋律的组合理论上是无限的，但好听的旋律组合是有限的

　　很多人写旋律多了，可能会有疑问：用各个音排列组合出旋律，会不会有一天，旋律是会被排列组合完写尽的？

　　被写尽的可能几乎不存在。一个音组12个音，再加上那么多的节奏排列方式，以及小节数不同可能延伸出无数的可能，这么算下来，音与音能够组合出非常庞大的动机数量。

　　但是我们在听歌的时候，还是经常会感觉：这首歌的这一处，好像在别的歌里也听过。很少有歌曲，几乎全程一点都不撞别人的旋律。

　　为什么明明有那么多的旋律组合方式，很多作者还是要用别人用过的呢？

　　这是因为：在看似无穷无尽的旋律组合之下，真正能达到好听这个标准的组合方式，非常有限。

　　比如4这个音，就很难用在开头。有的话大部分也是下行接3：

　　4下行接别的音开头的，我印象里没听到过；上行的更是少之又少。这是由这个音的性质决定的。

　　同理7开头的，一般就是上行接个1：

　　至于#1、3♭、#4、#5、7♭这几个音，基本不可能拿来开头。因为就不好听，很难展开去写旋律。

　　所以，虽然组合理论上是无尽的，但实际上，光是达到“能听”这个标准，就已经筛掉了相当一部分旋律组合。好听的当然就更少。

　　所以现在乐坛整体的旋律质量不算很高，一部分是环境问题，另一部分问题来自于多年创作带来的瓶颈：很多好的旋律，已经被前人写完了。后人再想创造出更经典的旋律，是很困难的。

　　其实作曲真的是一件非常有意思的事。它看似神秘，但其实很多人都能做，可要想真正做出好的东西，也绝不容易。

　　作曲是一种把内心感觉，用音乐表达出来的能力，需要后天的技法学习，但也需要感性的抒发。所以不是多努力学习，就一定可以写出好听的曲子。

　　严格来讲，作曲也没有对错之说，它更应该被称之为合不合适，好不好听。但因为这个标准是因人而异的，所以也没有什么硬性的规定，就要写成什么样子才是对的。

　　这些作曲上的冷知识，希望可以对想作曲的朋友有所启发。