文艺复兴！豆瓣热帖「李云迪大战朗朗」为何如此令人快乐？_风闻

　　最近鹅组大有文艺复兴的趋势，爱吃瓜的网友们仿佛人手一把洛阳铲，一铲子下去让多年前的老贴子纷纷复活，旷日持久的“宏迪恋”重新备受瞩目，“找力宏”事件又被频繁讨论。

　　公众人物的私人生活被议论被消费，注定了这是一场娱乐的盛宴。

　　然而这场讨论没有持续多久，吃瓜已经逐渐无法满足网友们的欲望，他们开始讨论一个看上去“有深度，有知识”的问题：「李云迪和朗朗到底谁更厉害？」

　　有比较就有“拉踩”，所谓拉踩，有拉就有踩，有捧高就有贬低。

　　网友们争论了半天，发现自己肚子里愣是讲不出二两干货，于是只能将李云迪在韩国期间的演奏失误污点来进行攻击，甚至开始对二人进行颜值，私生活上的比较…

　　他们激昂文字，挥斥方遒的样子，看得我在上班时间忍不住笑出了声。

　　我为什么会笑出声？因为这个问题本身不幽默，但是提出问题的人属实是有些可爱。

　　我发现许多网友看待艺术的方式非常有意思，「厉害」和「不厉害」是他们评判艺术的重要标准。

　　在门外汉的眼中，音乐家们似乎就像是金庸笔下的侠客，总能有个高下之分，我觉得如果有条件，没准他们会开个"决战紫禁之巅”、“天下第一音乐会”这样的活动，邀请各方大师来一较高下。

　　想想朗朗用王宝强的语气说：“既决高下，也分生死。”李云迪：“我要弹十个！”这画面是不是挺刺激的？

　　在这里我希望大家能认识到一件事，音乐是强调欣赏性，而弱竞技性的。

　　音乐艺术的最终本质，是让我们去感受美，欣赏美。简单来说，大部分音乐是给你听的，不是给你拿来比的。

　　首先回到问题本身，李云迪和朗朗。

　　这两位钢琴家的履历都是极为优秀和不凡，绝对算得上是为国争光的代表人物。

　　李云迪的成名可以说是带有一丝传奇色彩的，从1985年至1999年，肖邦国际钢琴钢琴大赛金奖空缺了15年。

　　直到2000年，“肖赛”的沉寂被一位刚满18岁的中国选手打破，李云迪成为有史以来首位摘取肖赛金奖的华人，也是最年轻的冠军。

　　初出茅庐的天才，就此横空出世。

　　此后他也成为了肖邦国际钢琴比赛史上最年轻的冠军和评委，足以见得音乐界对他的极大认可。

　　而郎朗获得最重要的奖项是在两年之后，2002年，“伯恩斯坦艺术成就大奖"在德国汉堡举行，郎朗是第一位得主也是该年唯一得主。

　　但他俩在继续向职业演奏家发展的过程中走上了不同的道路，郎朗14岁考入柯蒂斯前也拿了不少国际赛金奖，但进入校园后，他的老师格拉夫曼要求他不要参赛专心学习。

　　当时比赛是进入职业演奏家的重要途径，肖赛就是面向18-35岁选手，获奖者往往可以高调跻身职业演奏家之列。

　　但通向职业演奏家的途径还有另外一条，便是靠实打实的乐团演出，一步步演出来。

　　1999年郎朗以第一替补的身份，与美国“五大”之一的芝加哥交响乐团进行合作演出，演出非常成功，这也致使他17岁就成为了职业演奏家，之后便开始与各种顶级乐团合作。

　　如果郎朗是拿着好学校牛导师的“铁饭碗”，稳健地前进，李云迪就是靠一战成名，从此一路高歌猛进。

　　另外演奏家因为性格等各种原因，有的偏好独奏，有的擅长协奏。李云迪就偏爱独奏，享受琴键在指尖的翩飞，做音乐上的皇帝，郎朗偏爱和大乐团合作，所以两人的领域还是有交错的。

　　再拿大家耳熟能详的作曲家举例来说，李云迪擅长肖邦李斯特和民乐，郎朗擅长老柴和莫扎特。

　　这两位以不同的方式走入古典乐坛，并爬向山顶。他们偏爱不同的演奏形式，擅长不同作曲家的不同曲目。

　　两人唯一的交集之处，也就是同为钢琴家这一点。

　　演奏是门过于庞大的学问，知名的演奏家都是在多年来浓厚艺术氛围熏陶下，对艺术对音乐有了更深层次的理解和独到的诠释方式，是完全独立的个体，没有互相比较的意义。

　　与其用世俗的眼光束缚自己的审美标准，捧一踩一，不如心胸宽广点，多去了解不同的表演风格，对艺术有沉浸式的欣赏和品鉴。

　　在讨论李云迪朗朗谁更强的帖子中，90%的人都没有进过音乐厅，没有听过他们的现场演奏，这本身就有些荒谬。

　　对于“郎朗和李云迪谁更厉害”这个主题，id叫“江湖骗子”的同学的标题就生动具体的囊括了我所有的心中所想。

　　无论是郎朗还是李云迪，都是在国际古典舞台上闪耀的巨星，是为国争光的优秀钢琴家，与其逮着这俩的羊毛薅到死，不如多关注一下其他同样优秀的钢琴家如王羽佳，沈文裕，陈萨。

　　哪怕真的要比，这不也是真正聆听过的人才更有发言权吗？

　　多买点音乐厅门票，遇上节假日还可以带上孩子一起，自己陶冶了情操也给孩子的心灵带来了艺术上的启蒙。

　　音乐存在高低，但是达到一定水平后便会失去意义

　　首先音乐水准和质量是存在高低的，但是和大部分人想象中的不同，这种比较是有“上限”的。

　　比方说有一些音乐人，演奏水平不行，知识储备很少，想象力也不够丰富，那么他制作出的音乐水准是低的。这时你拿他去和高手作比较，他显然是还需要继续学习，弥补不足的。

　　但是倘若一个音乐人琴技精湛、想象力丰富、底蕴深厚，精通一种风格，在融合了多种元素后，创作出了许多经典名篇，成为了大师。

　　这时你拿他和其他大师作比较，你就会突然发现，每一位大师都有自己的领域，都有自己擅长的风格。这风格也不一样，玩的都不是一个路子，咋比啊？

　　当音乐水平上升到一定上限以后，区分作品的不再是质量，而是风格的不同。

　　比如拿宇多田光和椎名林檎比，很多人是犯难的。有些人更喜欢着重旋律，有些看重节奏感，强行比是比不出结果的。

　　脱离了“好坏”之分时，剩下的则是个人审美的偏差。

　　圈外的人老是比来比去，本质上是对音乐的不了解：比如前几年薛之谦的粉丝几乎把华语乐坛比了个遍。

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　　传唱度and销量≠质量

　　还有一个经典的论点是：传唱度=音乐的高低

　　在比较不出来的时候，许多人喜欢以这个点来作为标准。

　　但要我说，传唱度只能体现歌曲的宣传水平和通俗程度，但宣传程度和大众审美都是客观因素，并不是音乐本身可以左右的。

　　传唱度如何，只能说明受众的广或寡，体现不了音乐的高下。

　　下面这张图，是19年李荣浩针对他在《中国好声音》节目上给学员选了网络歌曲《你的酒馆对我打了烊》后，在网络上遭到质疑而作出的回应。

　　核心的意思大概是：艺术作品没有高低贵贱之分，只有你个人喜欢与否，喜欢的就是好的，不该因作品出身于网络就歧视这件作品，并且传唱度广本身就说明了作品值得被喜爱。

　　仅我本人而言，我是认可好的作品不问出处这一说的。作品优质与否只取决于制作人的用心和投入，与平台无关。

　　我也认可“无论什么作品，你自己喜欢就是好的”，因为喜好这件事本身，确实没有高低贵贱之分。

　　问题在于：个人喜好和客观质量，这其实是两件完全不同的事。

　　《老鼠爱大米》和《传奇》还有《难忘今宵》都是传唱度极高的作品，都被很许多人喜爱，但这三首完全是不同的风格，也是不同时代，不同创作背景下的产物，非要比较就好像让孙悟空，变形金刚和哈利波特同台竞技，完全是破了次元壁的存在。

　　再者，传唱度高的作品也有不少是“整活”性质的，比如《惊雷》，不过是一次猎奇的全民狂欢。难道就能因为几亿次的收听，就能让这首歌成为艺术经典？好像也有点说不过去吧。

　　衡量音乐质量的好坏还是有比较实际和具象的标准线的。

　　对于流行音乐，作曲使用了什么和弦走向、旋律俗不俗套、节奏单不单调；

　　编曲丰不丰富、配器、风格适不适合这首作品、音色是不是粗糙；

　　歌词有没有内涵，用词是否优美，押了什么韵脚；

　　对于演奏，有没有层次感、情感是否到位、技术上有没有失误……

　　这些都是客观存在的，不会因为人的喜好与否而改变。

　　盲目的突出主观感受而忽略客观存在的音乐质量，这种观点会导致自我要求降低，简而言之就是会让音乐人浮躁，让观众放低审美标准。

　　总体来说，质量不同的音乐有高低但无贵贱，不应当以平台的风评去抬高或贬低它。但我们要正视现阶段的部分爆红的网络神曲还存在的问题，不要只关注传唱度一点而忽略其他一切。

　　还记得2004年，周董的无与伦比演唱会上，一首《梯田＋爸，我回来了》串烧，改编浑然天成，笛子声音最后才出现，悠扬而漫长，伴随着场馆外的雷声阵阵，年轻的jay仿佛羽化而登仙…

　　还清楚记得那个歌词，放到如今的舆论环境下依然适用。

　　我做音乐不是在举办辩论大会 辩论自己对音乐有多会

　　买的器材有多贵 炫燿自己有多可贵

　　会不会拿音乐来比来比去 那麼爱笔

　　我就去便利商店买支笔给你 比来比去 比个皮卡丘 

　　音乐人做音乐切忌陷入什么跟风或比较的漩涡，静下心来创作，用质量要求自己，沉淀自己的作品比什么都重要。

　　我们的听众，也要注重审美的培养，如若一味的追求标准化审美，动不动的把传唱度拿出来压人，是幼稚可笑的。心胸要宽广，要聆听和尊重不同风格的优质音乐才能探索更广阔的艺术世界。

　　少点比较，把音乐还给耳朵而不是嘴巴，用心去感受而不是敲敲键盘去评判高低。

　　更多元的世界也是我们更美好的明天。

　　（完）

　　文中图片均来自于网络