湖南台这个王牌节目，真是自砸招牌_风闻

本文转自公众号：乌潮电影

《歌手·当打之年》昨晚总决赛了。

但很多人可能依旧说不上参赛选手都是谁，顶多知道有华晨宇或周深。

相较于往届或多或少会邀请几位老牌实力唱将，这一季在选角上进行了调整：参赛选手都是新生代顶流，平均年龄也就30出头。另一边，评审团也开始“年轻化”，年龄都在50岁以下。

不过，这番为迎合年轻观众而做出的尝试似乎并不怎么成功。

豆瓣上，《歌手·当打之年》的评分从开始的6.3分降到了5.7分，历年最低；朋友圈里，也很少像往年一样，满屏都是“神级现场”；如果刷微博，你看到更多的还是粉丝们的控评。

有人感叹，办了八年，《歌手》不再是同类节目中的标杆了。

相比之下，我还是更怀念上一季与众不同却又原汁原味的《歌手》。

歌手前几季，从炫技到多元化

很多人最早知道《歌手》这档节目，大概率是通过朋友圈或微博里朋友们转发的“神仙打架”的演唱视频。

比如邓紫棋，在唱到《泡沫》的副歌部分时仍始终保持着C5的音调，而她当时不过才23岁。

此前并不太出名的黄绮珊，凭借着《回来》中飙了两分钟的高音，折服了场内外观众。

在《歌手》刚开播的那几年，常常是台上歌手花式炫技，台下观众奋力配合。

类似的，还有《中国好声音》：选手飙起高音，导师才会集体转身，而如果全场都没有炫技，那唱得再好也是没人选。

在这个局面下，炫技和夸张一度成了“唱功好”的标志。

“高门槛”也使得《歌手》比起其他音乐综艺，更具炫技色彩，毕竟歌手们的专业素养都摆在那里了，其他节目想炫也没那个实力

但《歌手》自身却在积极打破这一“唱功魔咒”。

第三季的李健就是《歌手 》不断进化的标志。

通过李健，大家意识到：风格轻盈、歌词克制的《贝加尔湖畔》原来也有一种隐约而温柔的朦胧美；不飙高音，也能与观众建立心灵上的默契。

李健曾表示：名次很快就会被人们忘记，因为时间过后，留下的是作品

有人评价，如果李健出现在了前两季，可能好评并不见得会多，因为当时的观众还没有经历前两季的音乐熏陶，也许欣赏不来他的风格[1]。

但第三季就不同了，具备一定审美的观众可以听懂李健，而反过来，李健又能给观众带来新的认知。

可以说，每一季其实都是在之前的基础上被赋予了新的使命，以此来接力传达《歌手》的理念。

歌手第七季，感受音乐本身

歌手就是在这种不断精进中，到了上一季——第七季：在延续《歌手》以往水准和理念的情况下，做了更多的突破。

高音可以轻松到F5的齐豫，在没有伴舞和互动的舞台上用空灵的嗓音吟唱着《飞鸟与鱼》，让人发现，唱情歌也大可不必歇斯底里或者极致哀怨；

声线极具辨识性的吴青峰，没有演唱与主流审美更加贴合的《小情歌》，而是选择了初听并不太吸睛的《燕窝》，一如他在这首歌里反复的“I don’t care”；

在《燕窝》里，吴青峰用燕子筑巢的比喻表达了自己对创作的看法

还有七季以来咖位最大的刘欢，改编了武侠金曲《沧海一声笑》，比起此前GAI极能调动现场气氛的豪迈演绎，刘欢的表达显得云淡风轻，但也恰有一种“我自己已是江湖本身”的从容感。

如此耳目一新的风格，要归于选角标准的改变：往季多是扎堆的现场型歌手，第七季请来的却多为极具原创能力的唱片型歌手。

现场更加考验感染力与听觉刺激，唱片则更倾向于回味性与深层次的表达。

齐豫与三毛、潘越云合作专辑《回声》时的合影，后来《回声》被列入《台湾流行音乐百张最佳专辑》

第七季的定位，也更注重展现歌手的才华、个性，以及他们演绎的作品本身[2]。

《飞鸟与鱼》排名并不高，但许多人都记住了那句“海天一色，地狱天堂，暮鼓晨钟”，流行乐不一定总是“少年和白衬衫”，也可以有诗意的呈现。

在吴青峰演唱《未了》后，微博上还讨论起歌词意思。开头的薛西佛斯，不仅引发了作者的遐想，也带动了观众思考。

除了歌词意境深远，这一季作品的曲风也十分另类。

声入人心男团演唱歌曲《鹿 be free》和《never enough》时，首次在《歌手》的舞台上将流行乐、美声与歌剧相融合。

龚琳娜带来了《武魂》，用悠长京剧、高昂民族和雄浑美声三种不同的唱腔接力演绎《亥下歌》与《六州歌头》，笛声搭配鼓点，加入电子化声效，古韵十足。

还有刘欢在《我要去哪里》中的电子迷幻摇滚，以及齐豫《今世》的歌剧式曲风，即使是经过层层选拔的听审们，也很难在第一时间就欣赏到曲子的奥妙。

《今世》的演出结束后，洪涛专门发了微博，评论区中，往季参赛歌手林志炫也对这首歌的排名感到诧异

实际上，拓宽曲风是《歌手》的一贯主张。

去年，《乐队的夏天》让摇滚广泛活跃在了大众的视线里，而早在13年，《歌手》就已经请来了周晓鸥、栾树等人，还原了摇滚乐坛的半壁江山[3]。

洪涛曾解释这样做的用意：音乐是多样化，多元性的[2]。毫无疑问，到了第七季，《歌手》的这一理念更是被发挥到了极致。

《当打之年》，丢了歌手的灵魂

相比之下，《歌手·当打之年》在表演本身和节目理念上，都丢失了《歌手》几季积累下的成果。

首先，歌手本人很少作出大的突破，无论是对自己还是对观众而言。

周深在《达拉崩吧》中的声音转变独具一格，但更多时候仍是在传达《大鱼》同版空灵；

华晨宇的唱法与风格很独特，但和两年前参加《歌手》时的自己也没什么太大不同；

毛不易还是敬月光敬朝阳，不如参加《明日之子》时带来的惊喜大。

颠覆人们印象最多的是徐佳莹，但在“华语唱跳第一人”的古早视频流出后，《大艺术家》倒是显得没那么惊艳了。

没有改变自己，也没给观众带来更多新的认知。这显然不同于从前的《歌手》。

上一季极具争议的杨坤，从比赛开始就坚决表示不唱代表作《无所谓》，而是带来了风格迥异的《下个路口见》以及《长子》。

针对“惊雷”一事，杨坤作出的回应，很能反映出他的音乐态度：音乐人的肩上是承担着一些责任的

同样，大家期待已久的《橄榄树》和《情话神话》等经典，也没有作为齐豫的王炸在决赛中出现。

当然，《歌手·当打之年》也没有为《歌手》的舞台呈现出更新颖的风格。

华晨宇在《降临》中用到的雅乐音阶“宫商角变徵”以及《强迫症》的雷鬼风格让人耳目一新，可这一季总体来说，抒情类歌曲还是占了主流。摇滚、民谣、R＆B以及电子乐等类型虽然也有所体现，但和前几季相比都单薄许多。

《歌手·当打之年》对年龄作出的限制，更是让《歌手》一直坚持的“重视作品内涵”的理念被冲淡了。

作为非原创型综艺节目，《歌手》给观众带来的更多是“老歌新唱”的新鲜感，拥有着不同经历的歌手会对曾经耳熟能详的歌曲作出新的诠释[4]。

韦唯表演《在水一方》时的嗓音状态和年轻时没法相比，但岁月的沉淀让她对这首歌的拿捏极为妥当。那句“我愿逆流而上”，已不是原曲中追觅心上人的迫切，而是表达女性的坚韧不拔。改编后的歌更具普世意义。

这是再奇特的编曲和再优质的嗓音也换不来的。

《歌手·当打之年》限制的并不只是年龄，更是层次。

它不再引导大众的音乐审美，而是成了微博超话内的粉丝团圈地自萌。

实质上，《歌手》更像是回到了十年前的选秀，与最初“摒除附加意义，只做纯粹音乐节目”的理念背道而驰[5]。

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往季中，很少有这样“顶流”与“小众”的标签同时出现在同一人的情况

这一季首次没有沿用《歌手》的名字，或许它也知道，《歌手·当打之年》只是歌手的当打之年，而不是《歌手》的。

真正的《歌手》，可能停留在了去年刘欢夺冠时演唱的组曲，特别是结尾他与姚贝娜的背景音合唱的那一句：莫待无花空折枝。