知识锋云 | 建筑摄影的那些人和这点儿事_风闻

导读

建筑摄影，正如文字所述，是以建筑物为拍摄对象的一类摄影。从广义上讲，建筑摄影也可以被理解为以空间为主题的一类通过摄影媒介表达的作品。

通常提到建筑摄影，主要是指以专业身份拍摄建筑物和其他建筑结构的照片，这些照片最常被用于商业目的，供建筑师或地产开发商在宣传时使用。但除了商业目的外，建筑摄影还有历史记录（即从19世纪末到20世纪上半叶的城市摄影）和纯艺术创作两方面的应用。

商业建筑摄影作品：Architectural Photography Awards runner up 2017: Adam Letch. Project: A recently completed chapel built on Bosses farm in Ceres, Cape Town by Steyn Studio

商业建筑摄影作品：Architectural Photography Awards winner 2017: Terrence Zhang. Project: Swimming Pool, New Campus Tianjin University, China by Atelier Li Xinggang

本期知识雷锋将从时间线展开，聚焦建筑摄影在记录、艺术和商业方面的发展，以客观的态度和全面细致的整理分析，洞察建筑摄影的前世今生。

作者

王雨蒙

清华大学建筑学院14级本科，清华大学建筑学院研究生在读，“半个摄影系学生”，全程参与清华美院摄影系课程，对建筑空间和摄影媒介均有独到理解。兼职建筑摄影师，另外她的观念艺术摄影作品《空间着色》近日在天津美术馆展出。

个人网站：www.kelliwangyumeng，欢迎关注~

建筑摄影的历史

自从摄影术首次出现以来，建筑一直是摄影的主要对象之一。最早幸存的照片就是有关建筑的：Nicéphore Niépce的1826年或1827年拍摄的《Le Gras窗外景观》。

Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras

建筑物特别适合早期摄影技术，因为早期摄影术需要长时间曝光，因此不会移动的建筑作为被拍摄对象，能获得高质量的照片，这使得建筑摄影成为最早的摄影专业之一。

然而，第一批建筑照片主要是作为记录图像拍摄的，并没有什么创意野心**。** 20世纪初，Frederick Evans等摄影师开始考虑更复杂，风格化的图像，考虑他们所拍摄建筑主题的独特性。

到了20世纪，建筑摄影逐渐变得更具创造性，成为当时风格报道的一部分，出现在艺术，建筑和生活方式杂志，摄影和建筑书籍中。它成为传达风格，设计和技术的最新想法的关键方法，有时是戏剧性的图像，描绘了理想的建筑物，通常从不寻常的角度拍摄。

今天，建筑摄影的用途已经扩展，从用乙烯基印刷的大量图像和用于封闭建筑工地的大量图像，到对缩略图可读的小型数字图像的需求日益增加，并且可以在社交媒体上共享。图像变得易于获取，摄影的门槛也越来越低，但图像的价值相较以往更加重要。除此之外，数码时代的到来给建筑摄影师带来极大便利，如今已经很少有人使用笨重的大画幅胶片相机，同时诸如定格摄影（stop motion）之类的新技术变得越来越流行，特别是用于记录现场或制造过程的进展。随着无人机等新技术的出现，航空摄影等先前昂贵的技术变得越来越容易获得。

随着CGI（计算机生成图像）和虚拟现实等可视化模式的普及，人们担心传统的建筑摄影可能会受到威胁。然而，尽管现有技术日益复杂，但人们普遍认为，高质量的摄影表现比计算机模拟能够提供更准确和动态的建筑物渲染**。**

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城市摄影

Urban Photography

在摄影术发明后的很长一段时间，摄影师只能通过长时间曝光完成作品，一个著名的例子是达盖尔在1838年以银版摄影法拍摄的巴黎第三区圣殿大道照片，除了鞋匠和顾客保持不动被记录下外，本应车水马龙的街道因为长时间曝光的原因显得冷清。直到19世纪中后期，随着火棉胶和蛋白印相的发明，曝光时间才得以缩短。

Louis Jacques Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, Paris, 3rd arrondissement, Daguerreotype, 1838

19世纪末至20世纪初，建筑摄影师群体开始出现，他们拍摄建筑和城市主要是记录的目的，但不乏有一些艺术性的尝试。这一时期拍摄的街道和教堂等的摄影作品被称为“城市摄影”（urban photography）。城市摄影是摄影师以间接的方式探索建筑与视觉之间的关系的呈现。

  1. Eugène Atget  

活跃于19世纪末到20世纪初的法国纪实摄影师Eugène Atget（1857-1927）在巴黎和周边地区工作了大约35年，不同于通常意义上的用摄影描述巴黎大规模现代化的作品，他关注的是小型商店，例如街边的冰激凌店、花店等等**。**他的作品同他的为人，都是谦逊的，他曾自称拍摄图片只是为其他艺术家创作提供素材。他可能不认为摄影是艺术，但它肯定是一门艺术。**该媒体的独特之处在于它是历史存在的证据，一张好的照片能够引发超越时空的思考的摩擦。 Atget制作的图像看起来似乎没有明确的动机，但却有一种开放性和超现实性。**超现实主义者赞赏Atget唤起了一个闹鬼的城市，其建筑曾一度有人居住，看似无所依赖。他们在那些简洁而朴素的远景中看到了他们对颠覆（和颠覆欲望）的渴望。

Eugène Atget, Coin, Boulevard de la Chapelle et Rue Fleury 76, 18E, 1921

Eugène Atget, Rue de Seine, Paris, 1924

  2. Frederick Evans  

另一位以拍摄教堂见长的建筑摄影师是Frederick Evans（1853-1943）。Evans对艺术、文学和哲学颇有研究，四十岁卖掉经营已久的书店开始潜心摄影，主要拍摄英国和法国的哥特教堂，这也是出于他对精神性的兴趣。这个世界上从不缺少教堂照片，但Evans拍摄的教堂却与众不同，**他的照片从不刺目和冷酷，他对光的把握使得高光和阴影都富有细节且柔软动人，全然没有哥特教堂的黑暗和距离感。**他常常聚焦于教堂内部空间甚至是一些细节，光浸润了每一个角落，台阶如同层层浪花富有动感。他的作品给人以光线和空间共同呈现的精神性的体验。

Frederick Evans, Crypt, Ancient Crypt cellars in Provins, France, 1910

Frederick Evans, The Sea of Steps, Wells Cathedral, Stairs to Chapter House and Bridge to Vicar’s Close, England, 1903

  3. Berenice Abbott  

在Berenice Abbott（1898-1991）拍摄的新都市摩天楼照片中，在一群不同功能的塔楼下面，有一幢两层高的展示房屋，采用最新技术建造。公众每人支付10美分就可以参观价值1万美元的空置房屋。房子是暂时的，但**Abbott的照片保留了这个事件，并提供暂停反思。**当美国的办公室向天空移动时，住宅房屋将横向扩散，成为一个无尽的郊区。

Berenice Abbott, House of the Modern Age, Park Avenue & 29th Street, 1936.

  4. Walker Evans  

Abbott的朋友Walker Eva****ns（1903-1975）起初被曼哈顿的摩天大楼吸引，拍摄了许多垂直、夸张角度和网格状立面的视觉刺激图片，这些照片让人联想到欧洲新视觉摄影，但是像Abbott一样，**他很快又退回去采取一种更加谨慎的态度。流行的矫揉造作让Evans开始尝试更加中立，不那么强迫的思维和拍照方式。**他专注于省级城镇，远离大城市的奢侈，在波士顿周围记录维多利亚式房屋。1933年，这些照片在现代艺术博物馆（MoMA）的建筑画廊中作为文件展出，五年后，埃文斯成为第一位在现代艺术博物馆以自己的名义举办个展的摄影师。

Walker Evans, Frame Houses, New Orleans, Louisiana, 1936.

Walker Evans, Houses and Billboards, Atlanta, 1936.

Evans明白**摄影和建筑是相关的系统****。**作为档案收集或按顺序排列，建筑物的图像可以成为关于社会及其自身图像的复杂陈述的途径。阅读可以是象征性的，隐喻的或字面的，尤其是因为他的照片经常包括书写和商业标牌，这些图像可以理解为现代生活新紧张局面的蒙太奇。

Page from ‘Photographic Studies’ by Walker Evans, The Architectural Record, 1930

作者将主要的时间节点对应摄影师及其作品绘制成时间轴，方便读者更好地理解：

城市摄影历史时间轴，王雨蒙制作 （点击放大仔细阅读）

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艺术

Fine Art Photography

建筑、空间等在当代摄影艺术历史上占据举足轻重的地位。如果对当代艺术语境下的建筑摄影作品进行划分，大致可以归为两类：冷面摄影**（Deadpan Photography）和情景摄影（Tableau Photography）**。

冷面摄影

冷面摄影（Deadpan Photography）是一种冷静的、超然的、敏锐的摄影类型，这些作品可能会让观者有情绪上的感受，但对作品的情感体验不是理解冷面摄影作品的办法。**重点在于，这些冷静而客观的作品将摄影作为一种超越个人视角局限的方式。**冷面摄影可能在其主题描述中具有高度特异性，但其看似中立和整体的视觉呈现却是史诗般的。它试图绘制和传达一种力量，从单一的人类角度来看，这种力量是人造和自然世界的主导。

冷面审美上个世纪九十年代开始流行，尤其是在景观和建筑主题上，如今，冷面摄影促成了摄影占据当代艺术中的中心位置。冷面摄影也常被成为“德国式的”摄影，这样的称呼不仅因为这类作品本身客观严谨的特征，更是因为当今最著名的冷面摄影艺术家大多来自德国杜塞尔多夫艺术学院（Kunstakademie Düsseldorf）。

  1. Bernd & Hilla Becher  

Bernd（1931-2007）和Hilla Becher（生于1934）在塑造当代冷面摄影发挥了重要作用。Becher夫妇于1957年开始拍摄德国工业建筑物（或构筑物）黑白照片，例如水塔、矿井等。 每张作品都是从相同的角度，在相同的光照环境下（阴天），并保持地平线位于相同的高度拍摄的，过滤掉许多不必要的信息。多个相同功能的建筑物（或构筑物）排列成网格形成一个作品，内部形成相似和区别。他们的作品暗示形式和功能的关系，告诉人们工业革命标准化后，人们对差异性依然有需求。他们的作品系统的开创了摄影类型学研究。

“我们展示的主要是有角色的物体，其形状是计算的结果，其发展过程是明显的。它们通常是建筑物，它们通常把“匿名”接受为风格。他们的特点不是源于，而是因为缺乏设计。”

这本书名为Anonyme Skulpturen（Anonymous Sculpture），通过它，Becher夫妇的作品在摄影、建筑和艺术的交汇处占据了一个关键的位置。**它将艺术引入一种复杂的类型学研究的一部分，充满了对乌托邦理性的怀疑。**他们的高度制作的图像或网格消除了所有签名风格的痕迹，甚至他们选择的主题也很有趣：那些工业结构在建筑的官方话语中没有位置，更不用说艺术了。

Bernd & Hilla Becher, Water Towers, 1968-80

Bernd & Hilla Becher, Winding Towers, 1966-1997

尽管如此，假设Becher夫妇工作的成果是因为适应特别的时代，这种说法也是错误的。事实上，定义时间的困难似乎是其作品持久魅力的源泉。除了主题之外，其特征还在于均匀、平坦的光线。在这样的轻型建筑中，正如Richard Sennett在讨论Thomas Struth的作品时所说的那样，“赋予他们自己的生命”。弱光使得建筑物有意义，使它们不可思议。光通常是世界的动画师，但是当光拒绝动画时，世界看起来已经死了，而摄影师的任务就是不要“拍摄”那么多。在乳白色的光线下拍照是为了拍摄一个似乎已经从时间中被拔除的世界。

沐浴在一种几乎消除阴影的光芒中可能并非毫无意义，这是十九世纪产生的大部分合理化和信息化图像的首选光，**其中没有阴影等同于公正的判断。**清晰，柔和的照明被解释为将世界从明暗对比的偏见和阴影的戏剧中解放出来。沉浸在丰富的可见细节中，实证主义科学从不可思议的东西中推断出客观性，从外观的清晰度中推断出观念的清晰度。 Becher夫妇以一种客观的方式“盯着”事物，因此他们的主体几乎“盯着”他们。  他们反对自Pop art以来西方艺术一直关注的的惹人眼球和时髦的技巧。

Becher夫妇的作品在“New Topographics：photographs of a man-altered landscape”展览中展出，这是一个始于1975年的美国巡回展。该展览主题是人类工业活动对景观的改变，展出作品多是欧洲和北美摄影师对景观和建筑摄影具有开创性的尝试。除Becher夫妇外参展的艺术家还有Lewis Baltz（1945-2014）、Henry Wessel JR（1942-2018）、Robert Adams（生于1937）、Joe Deal（1947-2010）、Stephen Shore（生于1947）、Frank Gohlke（生于1942）、Nicholas Nixon（生于1947）和John Schott。

  2. Robert Adams  

新类型学出现在战后的美国，大量的城市建设启动，艺术家开始质疑和反思这些建设活动。他们的作品**摒弃了传统景观摄影中对纯粹的自然风光的褒奖，而是表达一种景观与人类活动息息相关而不是割裂的态度。**例如Robert Adams的经典之作Mobile Homes所展示的“多层的意义”（layers of meaning）：远处的山峦暗指传统的景观摄影，近处却突兀的出现一片建筑群，棱角分明的轮廓与山峦的曲线形成刺目的对比，展现一种人类和非人类的关系。该展览对环境保护来说非常重要，它提示人们景观不只存在于野外，也存在于有人类活动的城市、郊区和乡村。

Robert Adams, Mobile Homes, Jefferson Country, Colorado, 1973

The New Topographics catalogue, internal spreads

The New Topographics catalogue, internal spreads

  3. Stephen Shore  

Stephen Shore（生于1947）也是“New Typographics”参展艺术家之一。照片中的装置作品是1976年在华盛顿特区举办的“生命的迹象：美国城市的象征”展览中的作品。**该展览将美国城市场景视为一个需要解码的复杂难题。许多城镇已成为建筑语录的后现代拼贴画。**在画廊空间中，各种图像被放置在真实物体（霓虹灯，家具，建筑物）之间。当时Shore深入乡土城镇并专注于建筑物的摄影，被委托制作文件。这样的任务使摄影师警惕可能在城市场景中共存的所有不同组件的相互关系。他解释说：“有一种古老的阿拉伯谚语说，‘显而易见的是通向现实的桥梁’。对于许多摄影师来说，建筑就是这种功能。建筑物表达了其材料的物理限制：由弯曲的工字梁和钛制成的建筑物看起来与由砂岩块制成的建筑物不同。建筑物表达了其建筑的经济约束。**建筑物还表达了建筑师及其文化和美学造诣。**后者是构成“风格”的所有不同元素的产物：传统、愿望、条件、想象力、形式、感知。在城市街道上，建筑物位于其他不同时期和不同风格的建筑之间。这些建筑物与其他建筑物相邻，整个复杂的场景经历了天气和时间的压力。这种社会个性变得可以被相机接触。

Installation view, showing photographs by Stephen Shore, of Signs of Life: Symbols of the American City. The Smithsonian Institution, Washington DC, 1976

然而，**相机可以接触建筑景观并不意味着可以轻松解释建筑景观。**几个世纪以来，建筑发展了象征性语言，允许建筑物宣布其目的，或至少编纂它。教堂看起来像教堂，房屋看起来像房子，银行看起来像银行等等。然而，随着现代主义的开始，这开始被建筑形式应该遵循功能，以及应该展示所用材料的真实性的想法所取代。虽然这可能意味着一定程度上结构或空间逻辑变得易于理解，但现代化的冲动也是一种同质化，过于倾向于合理化的模块化形式，往往削减功能和易读性之间的联系。

  4. Lewis Baltz  

Lewis Baltz（1945-2014）用他的作品证实了这一点。他在加利福尼亚州欧文附近的新工业园区系列（1974年）记录了我们现在发现的所有城镇边缘的中小型工业单元的外观。它们根据标准化系统快速架设，旨在满足尽可能多的商业需求。装饰稀疏的外观给人一种平静和连续的迷幻幻觉。实际上，这些单位可以长期或短期租给企业，具体取决于市场的波动性。这是Baltz描述他的项目：

“我出生在世界上最快速的城市化地区之一：战后时期的南加州。你可以看到发生的变化；这令人惊讶。一个新的世界正在那里诞生，也许不是一个非常愉快的世界。这种同质化的美国环境正在陆地上行进并出口。似乎没有人愿意面对这一点。我一直在寻找最典型，最具日常性和不起眼的东西，我试图以一种最常见的方式来表达他们。我当然希望让我的工作看起来像任何人都可以做到的。我不想有风格；我希望它看起来像是静音，并且尽可能地看起来客观……我在这项工作中非常努力，不是为了表达观点。我试着将自己想象成来自不同星系的人类学家…...我更感兴趣的是这个地方的现象，不是事物本身而是它的效果：这种城市化的效果，这种生活的影响，这种建筑的结果，会有什么样的人生活？这里建造了什么样的新世界？它是一个人们可以生活的世界吗？真的吗？”

以深度聚焦和精细细节拍摄，**Baltz的照片具有高度描述性，甚至是分析性的。**在他的一系列五十一张图像中，相机和拍摄对象之间的距离保持一致，就像光一样。“正面和直线”，这些图片似乎没有对摄影假定的客观性提出质疑。事实上，它们提供了任何建筑物表面一样好的记录。相反，代表性的问题转移到了世界本身：当环境的外观告诉我们它的意义和功能时，我们能知道什么呢？正如Baltz自己所说的那样：‘你不知道他们是制造连裤袜还是超大号裤’。

Lewis Baltz, East Wall, Western Carpet Mills, 1231 Warner, Tustin

Lewis Baltz, The New Industrial Parks near Irvine, California

通过他们在杜塞尔多夫的教学以及他们在当代艺术中的形象，Becher夫妇影响了几代对建筑感兴趣的摄影师，然而，他们所做的大部分工作都更加公开地追求艺术。

  5. Andreas Gursky  

Andreas Gursky（生于1955）是当今最著名的摄影艺术家之一，同样来自杜塞尔多夫艺术学院，是Becher夫妇的学生。Gursky的作品通常尺寸巨大（三至五米长），且拥有惊人的完美的细节呈现。他的作品常常以一种独特的视角，使人感到除了他所选择的视角外没有更好的可以全面展现眼前场景的其他视角。许多Gursky的作品以建筑为主题，一般采用大画幅相机拍摄多幅照片后后期拼接合成，例如这张拍摄于巴黎蒙帕纳斯的一张住宅立面，呈现了一个人眼无法看到的角度。该图像是一个简单的、直白的、无表情的大型住区照片，这是一张精美的彩色图像，展现了高水平的拍摄技术，它以大幅面打印（180 x 350cm）传达了主题的巨大性，但**图像本身并没有对该主题做出任何评论。**虽然这张照片没有提供除“是”的视觉陈述之外的任何叙述，但我们仍可以看到人类活动在建筑中的一瞬间的捕捉，我们可以看到不同高度的百叶窗，甚至和以在透过窗户看到居民模糊的颜色和形状。

Andreas Gursky, Paris, Montparnasse, 1993

Andreas Gursky, Paris, Montparnasse, 1993展览现场

Andreas Gursky, Shanghai, 2000

Andreas Gursky, Copan, 2002

  6. Thomas Struth  

上文提到的另一位Becher夫妇的学生Thomas Struth（生于1954）曾拍摄一系列杜塞尔多夫街道作品。二战结束后的杜塞尔多夫重建，历史的伤痕和新建的建筑同时存在。Struth选择在没有人的时间拍摄一系列一点透视的街道照片，作品透露出一种安静伤感的气息。这类作品在Struth来到纽约都仍有延续，**作品中左右两侧的建筑占比相同，使他们可以被互相对比和评价。Struth的摄影不是为了带给人沉浸式的体验，也不是为了揭示某个时刻的重要性，而是让观者思考他的视角，以及用他的视角审视照片。**受Becher夫妇的影响，展览中这些街道照片也被排列在一起互相比较。

Thomas Struth, West Broadway, from Streets of New York City, New York, 1978

Thomas Struth, Kirchfeldstrasse, Düsseldorf, 1979

Thomas Struth, The Metropolitan Museum of Art. “Modern Photographs from the Collection XII”.展览现场

Thomas Struth, Shinju-ku (Skyscrapers), Tokyo 1986, 1986

Thomas Struth, Parkview Apartment, Seongnam, Gyeongggi-Do, 2007

Thomas Struth, Samsung Apartments, Seoul, 2007

  7. John Riddy  

在艺术家John Riddy（生于1959）的建筑摄影照片中，他总能找到对相机来说最平衡和有利的位置，例如在作品Train中采用的精确的对称构图，最大限度的减少了我们可能受到的摄影师观点的影响（因为某些角度会使摄影师的体验对观众来说更为明显，Riddy只是希望精确的呈现所有事物本来的面貌），并将观众带入到与主题直接的对话中。

John Riddy, Maputo (Train) 2002, 2002

John Riddy, London (Wyndham Road) 2008, 2009

John Riddy, Chandigarh (Capitol Complex 4) 2006, 2008

  8. Gabriele Basilico  

另一位艺术家Gabriele Basilico（1944-2013）善于寻找一个拍摄位置，使得作品能最有力的表现主题。他在1991年拍摄的贝鲁特，屋顶的视角展现了一个人口密集的广阔区域。通过大画幅胶片的细节记录，我们可以看到轰炸所产生的伤痕，这是这个城市在二十世纪末遭到战争摧残的历史证据。Basilico选择这一视角对于指导观者阅读图像非常重要，他将道路及人类活动的迹象放在照片中间，并让这条路延伸到地平线，通过这种方式强调了人类在饱受战争蹂躏的城市中的适应力。

Gabriele Basilico, Beirut, 1991

情景摄影

另一类建筑摄影作品可被归为情景摄影（Tableau Photography）。情景摄影的核心在于故事叙述，这些照片通常影射寓言、故事、历史事件等，这些都是我们集体意识的一部分，或者提供一个更开放的描述，让观者知道照片中的某些东西是重要的，因为它在照片中的展示方式，但其意义依赖于观者用自己的叙述和思想训练去理解。

建筑空间常常能表现一种戏剧性的场景，因此在情景摄影中，有许多艺术家把建筑和室内空间作为拍摄主题。这些建筑或室内空间可能是我们熟知的一处空间、一个历史事件发生的场所或者一位建筑大师的作品等等。

  9. Jeff Wall  

最著名的场景摄影艺术家是Jeff Wall（生于1946），1999年他为巴塞罗那德国馆拍摄作品。该展馆由密斯凡德罗（Mies van der Rohe）为巴塞罗那1929年国际博览会设计，是一个现代主义试金石。它与摄影有着特别复杂的关系。这个结构不仅仅是展览，而是展示了密斯的建筑思想和“理想的宁静区”，正如他所说的那样，“与博览会的喧嚣分开”。它也是暂时的，并在一年内被取消。然而，在随后的几十年中，其声誉的增长主要来自照片和Mies声誉的巩固。 1983年开始使用照片重建展馆，该展馆于1986年重新开放，并在20世纪90年代邀请了几位艺术家作出回应，包括Victor Burgin，Jeff Wall，Hannah Collins和GüntherFörg。Wall拍了一个男子，他是负责保持展馆清洁的三人之一。早上的例行工作每天拍摄两周，总是来自相同的相机位置。 Wall的彩色照片是一张合成图像，可以正确渲染强烈早晨阳光所产生的阴影和高光的所有细节（超出单次曝光的效果）。**图像仍然庆祝建筑，但它与20世纪20年代的建筑摄影不同，作品的展示目的偏离了展馆的空间构成。**清洁工必须在展馆向付费公众开放之前到达和离开。我们看到黑色地毯被破坏，肥皂泡从玻璃上滑下来，由Mies为这座建筑设计的“巴塞罗那椅子”被移出了设计好的位置。这是对现代主义建筑的评论，正如Wall自己所说：“建筑需要特别严格的维护。在更传统的空间中，一点污垢与整个概念并没有如此惊人的影响，它甚至可以变成铜绿，但是Mies建筑物尽可能地抵抗铜绿。”

Morning Cleaning，Mies van der Rohe Foundation，Barcelona (1999)

  10. Miriam Bäckström  

Miriam Bäckström（生于1967）拍摄的宜家系列是对家居用品商店的一种调查，照片中无与伦比的房间布置和摄影师选择的有利拍摄位置让这张图像看起来像是宜家样板间广告或是再普通不过的用于记录的家庭照片。Bäckström希望我们在介入这张照片时思考家庭生活空间的商业化和惯例化。最能展现个人品味的家庭起居空间在商业化之后可以被模式化，我们展示个人身份的家不仅具有了商业的可再现性，而且易于模仿。她的另一幅作品通过29次对同一个室内空间的摄影记录，研究并呈现了不同光线环境下空间的不同表情，以及所引发的不同感知。

Miriam Bäckström, Museums, Collections and Reconstruction, IKEA Corporate Museum, ‘IKEA throughout the Ages.’ Almhult, Sweden, 1999, 1999.

Miriam Bäckström, 29 Variations of Light

  11. Miles Coolidge  

Miles Coolidge（生于1963）的Safetyville项目描绘了一个废弃的城镇，没有人、垃圾和任何人类活动的细节，这让人有一种超现实的感觉。 Safetyville是加利福尼亚州的一个模范城镇（占一个真实城镇规模的三分之一），建于20世纪80年代，旨在教育学童道路安全。在Coolidge的照片中，公司和联邦的标牌都是合情合理的，小镇的细节也是真实且突出的，看似平淡的建筑摄影却暗藏着对商业和政府安排组织当代西方生活，甚至制造虚假的城市空间作为教具的讽刺。

Miles Coolidge, Police Station, Insurance Building, Gas Station, from the Safetyville project, 1996.

Miles Coolidge, Industrial Buildings, from the Safetyville project, 1996.

Miles Coolidge, Industrial Buildings, from the Safetyville project, 1996.

  12. Thomas Demand  

德国摄影师Thomas Demand（生于1964）许多作品是拍摄一个具有历史意义的特定空间，如杰克逊波洛克的工作室谷仓或巴黎的戴安娜王妃致命受伤的地下通道。拍摄前需要一个特定的建造过程：他使用发泡胶、纸张和卡片在他的工作室中构建了一个简化的场景模型，拍摄完成后就将模型毁掉，可以说他在重建历史又在创造历史。有时，他留下了重建不完美的小迹象，纸上留下了眼泪或间隙，向观众发出信号，表明这不是一个完全令人信服的重建场地。然后他拍摄了这个场景，将具有争议的历史事件“固定”下来。大幅面的作品构建了一种超意识的立场，因为我们在试图寻找叙事形式，尽管内置的警告信号表明这只是一个暂时的、不真实的地方。我们作为观众和大幅面作品的接近使我们不再是一个观看空旷舞台的观众，而更多是调查人员，我们开始思考物质空间（模型）所包含的信息和图像化之后所包含的信息，开始思考这个脆弱的图像化的自建场景所蕴含的叙述和意义。

Thomas Demand, Zeichensaal (Drafting Room), 1996

Thomas Demand, Zimmer (Room), 1996

Thomas Demand, Badezimmer (Bathroom), 1997

  13. James Casebere  

自20世纪70年代后期以来，美国艺术家James Casebere（生于1953）在他的工作室中以桌面尺度为他的照片建造建筑模型。他的方法是拍摄室内空间模型，其中所有人类使用的用具都已被取出。他的一系列监狱和修道院的照片将场景简化为单色和孤立的环境，等待和没有任何事情发生的感觉被强调。 Pink Hallway #3是基于菲利普斯安多弗学院的一个走廊的模型，这是19世纪早期在马萨诸塞州的寄宿学校。 Casebere剥夺了其细节，然后淹没了现场，试图创造一种超现实和幽闭恐惧症的感觉。Casebare善于用建筑空间表达情感，他在系列作品Emotional Architecture中，重建了墨西哥建筑师巴拉干的建筑空间，并将其简化，光影和色彩塑造了体积感和场所感。Casebere认为摄影作品和建筑本身一样重要，因此他试图将建筑的特点夸张表现，例如色彩、光影和材质的结合。他对真实性本身不感兴趣，简化真实空间并将它做成模型的过程实际上是一种观念和空间的相互介入，和直接拍摄建筑本身是完全不同的。

James Casebere, Pink Hallway #3, 2000.

James Casebere, Prison Cell with Skylight, 1993

James Casebere, vestibule, 2016

James Casebere, Yellow Passage, 2017

James Casebere, Yellow Overhang with Patio, 2017

小结：

建筑摄影不仅仅是商业上对为建筑师作品集提供图片，或为杂志社和地产广告供图，建筑作为艺术的一种，和摄影媒介的结合在纯艺术领域也大放光彩。不论何时，建筑，作为与人类息息相关的存在，无时不在激起艺术家的创作灵感。

艺术摄影历史时间轴，王雨蒙制作

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商业

Modern Photography

商业建筑摄影师以专业身份拍摄建筑物和其他建筑结构的照片。他们的照片通常用于商业目的，供开发人员在网络或在小册子中发布。由于潜在的购买者和客户经常被图像吸引，因此提供有吸引力的照片非常重要，因此，能提供专业且富有感染力照片的建筑摄影师对于委托方来说非常有价值。

建筑摄影师可能是训练有素的摄影师，他们在职业生涯中专注于建筑，或者他们可能接受过建筑师或相关专业的背景培训。

正如摄影师Paul Grundy在接受Designing Buildings Wiki采访时所说，对于一位有抱负的建筑摄影师来说，研究建筑并不是必不可少的。大学和学院提供各种不同的摄影课程，在此期间可以采用建筑专业模块。通过担任摄影师助理，可以获得专业经验。根据Paul Grundy的说法，“……无论你拍摄什么，都需要10年的努力才能成为一名专业摄影师。”

20世纪建筑摄影师的出现与现代主义建筑师有很大关系，例如Pierre Koening和摄影师Julius Shulman，Frank Lloyd Wright和摄影师Ezra Stoller，Henry Fuermann和Pedro E. Guerrero，以及Le Corbusier和摄影师Lucien Hervé等。摄影师的创作对建筑作品的表现至关重要，对空间具有敏锐嗅觉的建筑摄影师对现代主义运动也起到了不可或缺的推动作用。

  Julius Shulman  

Julius Shulman（1910-2009）是美国著名建筑摄影师，职业生涯中曾与Pierre Koening、Frank Lloyd Wright等建筑师合作，最为著名的作品是为Pierre Koening拍摄的Case Study House #22。Shulman的作品具有高清晰度，每张照片都将建筑物的感知和理解与它们在景观中的位置结合起来。 精确的构图不仅揭示了建筑物背后的建筑理念，还揭示了整个时代的愿景和希望。 他喜欢拍摄人与建筑的互动关系，但即使在实际照片中没有人物形象，他的作品也总是存在一种人性感。

Shulman于2005年创办Julius Shulman Institute (JSI)，旨在推动大众对建成环境摄影的理解和审美能力，并每年颁发建筑摄影师奖，目前获奖的包括Iwan Baan、Pedro E. Guerrero、Hélène Binet等一系列在当今建筑摄影界卓有建树的摄影师。

**当寻找一种媒介将构建世界转化为宣传图像时，摄影通常是最具同感性的。**Julius Shulman是现代主义时期最娴熟的摄影师之一。正是通过他委托的形象，我们才“了解”Richard Neutra，Charles和Ray Eames，Pierre Koenig，John Lautner，Rudolf Schindler，Raphael Soriano和Frank Lloyd Wright等人的作品。**已经内化了建筑的文化价值和设计形式，并加之摄影的视觉表现力的作品被Shulman提炼成适合媒体的图像。**对于当时的人们来说没有什么比高级风格（High Style）更为吸引眼球，就像生活杂志的时髦广告一样，Shulman的照片与他们所表现的设计世界有着共同的愿望，并受到同样的历史命运的影响。

Julius Shulman, Case Study House #22, Los Angeles, Pierre Koening, 1960

Julius Shulman, Case Study House #22, Los Angeles, Pierre Koening, 1960

Julius Shulman, HOUSE EDGAR KAUFMANN, COLORADO DESERT, PALM SPRINGS, CA

Julius Shulman, Case Study House #21, Los Angeles, Pierre Koening, 1958

与Shulman同时代的建筑摄影师还有Le Corbusier的御用摄影师Lucien Hervé（1910-2007）。“你拥有建筑师的灵魂”，Le Corbusier在收到他拍摄的马赛公寓的照片后写信给Lucien Hervé。1949年Lucien Hervé成为Le Corbusier的御用摄影师，并归档他的全部作品。他还与Alvar Aalto，Marcel Breuer，Oscar Niemeyer等合作。七十年后，他与20世纪的建设者并列，他的名字出现在艺术史上。Hervé的建筑图像只需一个细节表达整体，通过光和影之间的对比表现空间，作品常常具有抽象化的构图和炙热而宁静的特征。

Lucien Hervé, Chandigarh, La Haute cour, Le Corbusier architecte, Inde, 1955

Lucien Hervé, Haute Cour à Chandigarh, 1955

Lucien Hervé, Secréteriat à Chandigarh, 1955

Lucien Hervé, Abbaye cistercienne du Thoronet,1954

Frank Lloyd Wright对自己作品的宣传十分重视，与他合作过的摄影师也比较多。例如Ezra Stoller（1915-2004）、Henry Fuermann和Pedro E. Guerrero（1917-2012）。这些摄影师不仅拍摄Wright的作品，还拍摄建筑师本人。

Ezra Stoller, Guggenheim Museum, New York NY, Frank Lloyd Wright.

Ezra Stoller, Guggenheim Museum, New York NY, Frank Lloyd Wright.

Pedro E. Guerrero, The home of David Wright in Phoenix, designed by his father, Frank Lloyd Wright

随着数码时代的到来，建筑摄影也发生了翻天覆地的变化，曾经盛行一时的黑白胶片被鲜艳的色彩和清晰的细节代替。建筑摄影对传播新建筑设计和理念起到功不可没的作用。

走出历史，回到当下，如今世界上最出名的建筑摄影师主要是以下四位：Hufton+Crow、Hélène Binet、Fernando Guerra和Iwan Baan。

  1. Hufton + Crow  

国籍：英国

官网：http://www.huftonandcrow.com

Hufton和Crow是两位来自英国的建筑摄影组合，他们也是为数不多的摄影师组合。跟随他们的镜头，我们可以看到全球著名建筑师最新力作最完美的呈现，他们不仅表达美轮美奂的建筑，同时也将周围环境和建筑的关系通过图像传递给观众。

Hufton和Crow首先会倾听建筑师的观点，尽量满足他们对摄影呈现的想法。他们选择数码摄影，因为在他们看来这是最有效率、最能满足建筑师需求的手段。因此，他们的作品以高画质、完美的构图和令人愉快的颜色获得不少建筑师的青睐，其中包括：Herzog & de Meuron、Zaha Hadid、SANNA等著名建筑师事务所，并在社交网站上获得众多粉丝。

Nick Hufton和Allan Crow从小认识，并与2004年开始合作。Nick有摄影专业背景，毕业后曾在伦敦建筑摄影师Chris Gascoigne工作室当助手；Crow曾学习景观设计和景观规划，然而他清楚这并非其未来。两人于2004年创立了Hufton+Crow工作室。短短几年间便跻身世界建筑摄影师排行榜前十（Divisare Atlas of Architecture ranks them among the top 10 architectural photographers worldwide in their extensive database of 2491 photographers.），并于2014年凭借为扎哈事务所拍摄的Heydar Aliyev Centre获得建筑摄影界至高荣誉“Arcaid Images ‘Architectural Photographer of the Year 2014’”。

H+C, Heydar Aliyev Centre, Zaha Hadid Architects

H+C, Heydar Aliyev Centre, Zaha Hadid Architects

在H + C的早期，他们仍然使用4×5大画幅胶片相机，因此拍摄过程与今天截然不同。然而，大画幅带来的慢摄影体验有助于培养眼力，也就是在这个时候，二人开始研究构图，并发展自己的建筑摄影风格。但实际上，他们是较早开始使用数码相机拍摄的摄影师，数码相机最终帮助他们确定了风格，他们的作品也影响了许多当代建筑摄影师。

建筑摄影师大多独立工作，H+C是个特例。工作室成立之初，两人共同摸索最成功的拍摄和沟通建筑的方式。随着工作室项目越来越多，两人很少共同拍摄同一项目，但基本思路和方法仍然是相互分享和讨论得出的。

H+C将他们的建筑摄影称为“modern contemporary architectural photography”，是一种更符合当代建筑摄影需求的摄影风格。起初，由于大画幅胶片相机和胶片本身的限制，常常需要安排额外的照明和长时间曝光，同时对焦时间长等等因素导致拍摄一张照片花费的时间非常长，这种情况下很难捕捉人物和建筑发生关系的瞬间。数码相机的普及给H+C带来方便的同时，也让许多胶片相机难以捕捉的画面成为可能。Allan Crow认为**“能够快速锁定目标并且高效的捕捉画面”**是作为建筑摄影师必不可少的技能。“‘反应迅速’听起来和拍摄不会动的建筑毫不沾边，但相比于影棚中可控的灯光，建筑呈现最美的光影、人物出现在最合适的位置都是一瞬间的事”。他们的作品完美的体现出数码相机清晰的画质、真实中有一些绚丽的色彩和相对胶片高一些的锐度。许多作品包含的人物和建筑空间融为一体，仿佛本应存在在那里；另一些作品犹如装饰画般拥有丰富的色彩和简洁的构图；他们还擅长捕捉建筑的局部，细腻的光影和色彩变化生动地展现出空间和材质。

H+C, Via 57 West, BIG

H+C, Via 57 West, BIG

H+C, Harbin Opera House, MAD Architects

H+C, Harbin Opera House, MAD Architects

H+C, World Trade Center Transportation Hub, Santiago Calatrava

H+C, World Trade Center Transportation Hub, Santiago Calatrava

H+C, Long Museum West Bund, Atelier Deshuas

目前，H+C的作品在众多建筑类网站刊登，包括ArchDaily、Architize、Dezeen等等。

  2. Hélène Binet  

国籍：瑞士，现居伦敦

官网：http://www.helenebinet.com/

Hélène Binet生于1959年，是来自瑞士的女摄影师，是享誉全球的著名女建筑摄影师，作品以黑白胶片、细腻的光影著称。Binet大学时读摄影专业，在做了两年舞台摄影师之后，在建筑师Daniel Libeskind的建议下，开始做建筑摄影。Binet的丈夫是建筑师，在他的影响下，Binet对建筑有其他摄影师所不具备的直觉。相比于其他商业摄影师，Binet拒绝使用数码相机，她拍摄的作品自带艺术气质。**因为坚持使用大画幅胶片相机拍摄，她的作品给人感觉很慢但很安静，光影细致，构图富有特点。**Binet的作品通常是著名现代建筑师的经典作品，例如Daniel Libeskind、Le Corbusier、Peter Zumthor等，大师的经典之作在她镜头下形成新的语言，许多作品甚至比建筑空间本身更能打动人。可以说，Binet让经典更加经典。

Hélène Binet, Bruder Klaus Field Chapel, Peter Zumthor, Gelatin silver print, 50 x 60 cm

Hélène Binet, Bruder Klaus Field Chapel, Peter Zumthor, Gelatin silver print, 50 x 60 cm

Hélène Binet, Bruder Klaus Field Chapel, Peter Zumthor, Gelatin silver print, 50 x 60 cm

Hélène Binet, Bruder Klaus Field Chapel, Peter Zumthor, Gelatin silver print, 50 x 60 cm

Binet在采访中讲道：“我希望尝试把我对建筑空间的体验通过二维图像传递给观者，让观者也能有三维的感触。”**这种感触不是直接展现一个完整的三维空间图像，而是通过对空间局部的明暗、光影、质感甚至不同时间呈现不同效果的捕捉，通过大画幅胶片充足的细节表现和精细的画质，让观者产生一种多维度的联想，拓展观者的感受范围。**不同的人看到同一张图像，可能会联想到不同氛围的空间，而这点不同于大部分建筑摄影师“将建筑师最好一面客观呈现，甚至夸大呈现”的做法。

Hélène Binet, The Jewish Museum Working Site, Daniel Libeskind

Hélène Binet, The Jewish Museum Working Site, Daniel Libeskind

“我对建筑的’味道’更感兴趣，而不是’整个建筑’本身。”二维图像不能直指三维空间，她希望观者有自己的转化过程。Binet从不“描述”空间，而是“创造”味道，让观者自己在脑海中体验空间的气质。这样的建筑摄影作品或许是建筑师最希望看到的，是建筑师的思想和他们在空间中寄托的情感与摄影师的感受擦出火花的杰作。

Hélène Binet, The Jewish Museum Working Site, Daniel Libeskind

Binet的作品常常包含丰富的光影，光是有“人格”的，它们会出现和消失，会无时无刻塑造空间的味道。Binet希望摄影不是关于一座建好的建筑，而是一个过程的呈现。即使一个建筑建成了，它也是有生命的并且不断变化的，而这种变化不仅来源于光影和时间的塑造，也来源于每个观者内心。

Hélène Binet, Couvent Sainte-Marie de la Tourette, Le Corbusier

Hélène Binet, Kolumba Museum, Peter Zumthor

Hélène Binet, Firminy C, Le Corbusier

Binet自己从不使用数码相机，对于她来说，数码是将照片拍的好看的一种“精明的手段”，但有时候，拍出来的作品看上去像是渲染图，过分的后期修饰也让“摄影师用镜头体验空间并把它传递给别人”的初心发生变质。她也不曾想过用无人机拍摄，虽然当今许多建筑摄影师都这么做，但她持怀疑态度：“让摄影师的眼睛从镜头后面挪开，实在让我不能理解。那样拍出来的照片或许很有趣，但那就变成别的什么东西了。”

Daniel Libeskind在评价Binet时讲道“Hélène Binet已经成为引领世界的建筑摄影师之一。每当她拍摄建筑时，她拍摄建筑的成就、力量、感染力和它们的脆弱。”

Hélène Binet, The Therme Vals, Peter Zumthor

Binet曾举办过22次个展，15次群展，展览遍布全球。她的作品被数十本建筑书籍选用，并有4本个人专著。近十五年Binet多次斩获摄影界和建筑界各大奖项。

  3. Fernando Guerra  

国籍：葡萄牙

官网：http://ultimasreportagens.com

Fernando Guerra来自葡萄牙，是享誉全球的建筑摄影师。Guerra与葡萄牙著名建筑师Álvaro Siza密切合作，不仅为Siza拍摄作品，也拍摄建筑师本人：他的工作照、他在工地指挥以及和团队讨论设计的照片。

Fernando Guerra出生于1970年，1993年在Lusíada University获得建筑学学位，毕业后在澳门做了五年建筑师，之后回国教授设计课。1999年，Fernando Guerra和Sérgio Guerra兄弟二人创建了FG+SG工作室，并在二十年间跻身建筑摄影界前列。Fernando有六幅作品被纽约现代美术馆（MoMA）永久收藏。

Fernando Guerra, Álvaro Siza

Fernando Guerra, Álvaro Siza

近十年间，Guerra兄弟完成了一千多栋建筑的拍摄，大部分为葡萄牙本土的建筑作品。Fernando主要负责拍摄，Sérgio负责编排和工作室管理。他们的作品多次出版于各大杂志和网络媒体，包括Casabella, Wallpaper, Dwell, Icon, Domus, A+U等等。除了为许多葡萄牙建筑师拍摄作品外，他们也与世界各地著名建筑师合作，包括, Jordi Badia, Zaha Hadid, I. M. Pei等等。

Fernando Guerra, Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne, Richter · Dahl Rocha & Associés

Fernando的作品看起来很生活化，相比于Binet的作品让人感觉更有亲近感。他的作品中常常出现人物，不论是许多人聚集或是一个人的剪影，Fernando认为他的作品就是想反应一种自然的状态。对于人的出现，他不会刻意安排，他的作品只是建筑最真实的使用状态的捕捉。“这是我觉得建筑摄影应该做的，就是捕捉生命在使用空间。”Alex Webb对Fernando的影响很大，Alex是美国摄影师，他的作品主要是street photography，Fernando提到自己对street photography很感兴趣，这对他想要捕捉建筑在使用中最自然的一面影响很大。

Fernando Guerra, Casa na Ajuda, Extrastudio

Fernando Guerra, Casa em Afife, Nuno Brandao Costa

当今世界图像越来越丰富，图像歌颂、阐释、警醒着整个世界。对于Fernando来说，建筑摄影永远不可能代替在空间中的真实感受。他不会提前对要拍摄的建筑做预判，在到达现场之后，他以一个摄影师的身份去体验建筑、接触建筑，记录最真实的一面。“当我还是建筑师时，有各种外部因素限制我的创作，但现在我是摄影师，唯一限制图像的就是摄影师本人的先入为主了。”

Fernando Guerra, Casa no Carreço, Nuno Grande, Pedro Gadanho

Fernando Guerra, Equipamento Desportivo Ribero Serralo, Álvaro Siza

Fernando Guerra, Adega Mayor, Álvaro Siza

Fernando的拍摄的建筑作品以富有张力的构图和地中海般富有诗意的色彩著称，作品没有强烈的后期感，真实中却散发着超现实的气息。

  4. Iwan Baan  

国籍：荷兰

官网：https://iwan.com

Iwan Baan可以说是目前最当红的建筑摄影师。来自荷兰的Iwan是纪实摄影师出身，大学就读于the Royal Academy of Arts学习摄影。一个偶然的机会结识Rem Koolhaas并开始尝试建筑摄影。Iwan的作品受到不少建筑师好评，包括Rem Koolhaas, Herzog & de Meuron, Zaha Hadid, Diller Scofidio & Renfro, Toyo Ito, SANAA和Morphosis都是他的客户。纪实摄影对Iwan的建筑摄影风格影响很大，从他的作品中我们常常可以看到建筑作为人物活动的背景。他拍摄的不只是建筑，更重要的是讲述一个“关于这栋建筑的故事”——它的环境、使用它的人。

Iwan Baan, Hiroshi Senju Museum, Ryue Nishizawa, SANAA

Iwan Baan, Mountain Dwellings, Copenhagen, Bjarke Ingels + Julien de Smedt

Iwan没有受过专业的建筑学教育，对建筑的理解和体验更接近普通人，因此在他镜头下的大师作品也显得富有生活气息。他非常善于捕捉当地人和建筑的对话，从他的作品中不仅能看到建筑的形式，还能觉察出它所处的社会环境。

Iwan Baan, Ahmet Baba Library, Timbuktu, DHK Architects and Two Think Architecture

2011年Iwan被评为“当代建筑最有影响力的100人”，他的作品刊登在The New York Times, Domus, Abitare, The New Yorker等杂志上。2010年，Iwan获得第一届Julius Shulman Photography大奖，2016年又获奖（AIA New York’s Stephen A. Kliment Oculus Award）。

Iwan在拍摄前与建筑师很少交流，因此他能以全新的，不掺杂任何建筑师理念的眼光去看建筑，并如实的、旁观者般冷静地记录。认可他的建筑师通常喜欢纪实风格建筑摄影，因此很少限制他的拍摄目标。Iwan不想记录一个永恒的画面，通过人（重要的一部分）展现建筑的瞬间。他并不是很在意建筑师常常在意的形式、细节等等，而是主要关注人的使用，人为什么会聚集在这里，又是怎样和建筑发生互动的。在他看来，好的建筑不应只在晴天看上去好，坏天气下也有它动人的一面。他的关注点不在精致的构图和完美的色彩，而是更关注建筑所处的语境——人、社会和环境。

Iwan Baan, Plasencia auditorium and congress center, Selgas Cano